Categoría: Entrevistas

De la ficción a la realidad con “Película”, la nueva canción de Clemente Castillo

“Película” es el primer adelanto de Serpentina, el segundo disco solista de Clemente Castillo y estrena su lado audiovisual.

En los primeros cuatro meses del 2016, Clemente Castillo vivió una especie de exilio que lo llevó a vivir por un tiempo en Los Ángeles, San Diego y Austin. Lejos de su país y su familia, lo único que más cercano era la música. Ese fue el momento ideal para darle vida a 11 canciones que serán parte de su segundo disco como solista: Serpentina.

En los primeros días de agosto Clemente daba el primer adelanto para conocer este nuevo trabajo con “Película”, canción en la que colabora con Vanessa Zamora y nos ayuda a descubrir esta etapa sonora. La canción nació durante un viaje en tren, que lo hizo ver a la vida como un filme, el cual cada persona se encarga de rodar. Para platicarnos más sobre este primer sencillo, nos contactamos con él hasta Austin, Texas vía telefónica:

“ ‘Película’ describe de manera metafórica como cada ser humano, si por algún momento llegamos a vivir alguna ficción, pues hay que despertar y aterrizar para vivir en la realidad; en esa película de vida que día con día tenemos la oportunidad de aprovechar.

 

Si te pones a verlo de una manera fantasiosa, pero también real, la vida es en sí una película que se divide en episodios, en estos procesos de cambio, en pasar de ser bebés, adolescentes y adultos hasta procrear una familia… Tener una buena trama y final depende de nosotros. Se nos pasa tan rápido la vida que no nos ponemos a reflexionar sobre eso”.

Así, “Película” se convierte en una canción para pensar la manera en que no podemos dejar que la ficción le gane a la realidad de nuestras vidas. Contento de estrenar este primer adelanto, ahora Clemente comparte el lado audiovisual de la canción. Como protagonista del video lo vemos a él, pero en ocasiones y como cameo especial vemos a su esposa e hijos, haciendo de este trabajo todavía un lado más personal.

La dirección estuvo a cargo de Nef Espino, responsable de que esta canción no quedara fuera del disco al crearle un video. Con locaciones a las afueras de Monterrey y en plena colonia Vista Hermosa del centro de Monterrey, el audiovisual se complemente con referencias al pop art de Andy Warhol hasta la estética de Wes Anderson.

 

 

En Eureka, el primer disco solista de Clemente encontramos importantes invitados y colaboraciones en algunas de sus canciones desde Emmanuel del Real, Pato Machete, Celso Piña y Daniela Spalla. Y Serpentina no se quedará atrás:

 

“Hay una lista de músicos supertalentosos como es el caso de Vanessa Zamora o Alex Ferreira que me acompaña en una canción que es una de mis favoritas. Más adelante vendrá más información de cómo este disco tendrá una versión revisitada con algunas voces que a mi me gustan mucho y que podrán protagonizar algunas de estas canciones en una versión diferente. Incluyendo a Vanessa cantando toda “Película”, Alex Ferreira con “Fuegos Artificiales” o Alfonso André. Hay colegas músicos que estarán integrando rítmicas para reversionar las canciones de Serpentina”, nos adelantó.

Clemente Castillo confesó que no existe una fecha exacta para el lanzamiento de Serpentina, pero si tiene en claro que desea aplicar la dinámica de estrenar sencillos cada mes y así darle la importancia que merece cada canción. Además estos futuros sencillos estarán acompañados de objetos coleccionables que le darán otra dimensión a cada canción.

Mientras esperamos más canciones de Serpentina, acá te dejamos el playlist que compartió Clemente Castillo con algunas de las influencias que inspiraron a la creación de “Película”.

 

La esencia amazónica de Los Mirlos y su futuro primer encuentro con México

Después de 44 años de historia, al fin tendremos la visita de Los Mirlos a México y aprovechamos para platicar con su fundador Jorge Rodríguez.

Cerca de la Cuenca del Amazonas (en Moyobamba, Perú, para ser exactos), rodeado de naturaleza y sonidos peculiares que se quedaron registrados en su mente, nace Jorge Rodríguez Grández, fundador de una de las bandas emblemáticas para la cumbia amazónica: Los Mirlos. 1973 es el año en que un grupo de jóvenes tienen en mente conquistar la capital de su país con su sonido, el cual comenzó a llamar la atención porque salía fuera de la cumbia convencional acostumbrada en esos años.

“Comenzamos a ser en Lima, Perú una alternativa musical y ser algo diferente a lo que ya estaban haciendo algunos grupos. Los Mirlos teníamos una alternativa bajo la manga de presentar algo diferente: nuestra identificación con la naturaleza, la cumbia amazónica de ese entonces. Es así como nuestras primeras canciones impactaron al mercado de la capital”, eso narra Jorge Rodríguez en un enlace telefónico hasta Lima para Signos. Y sí, parte de esas primeras canciones e himnos que permiten identificar su sonido es “La Danza de los Mirlos”, mejor conocida en México como “La Cumbia de los Pajaritos”.

 

 

Los Mirlos se consideran una semblanza musical de éxitos, glorias y recuerdos gracias al sello sonoro que le dieron a su música y a Latinoamérica. “Eso se mantiene a través del tiempo, de los años porque Los Mirlos tienen una originalidad, un estilo que se mantiene y por eso seguimos vigentes conquistando Latinoamérica y conquistando el mundo. Ahora le toca a México”, comenta Jorge sobre la primera visita que harán a México, el próximo 22 de septiembre en el Pabellón Cuervo del Palacio de los Deportes.

Estamos a días de ver por primera vez a los peruanos en México, pero ante esa reciente visita existe la curiosidad por ir al origen de todo, el instante en que un sonido sorprendió por primera vez a Jorge a tal grado de llevarlo a hacer música. Y sí, Jorge compartió esos recuerdos:

“Bueno, en los genes llevamos la música. Mi papá era polifacético, era sastre, era agricultor, comerciante y era músico. Tocaba su bandoneón, su acordeón. Desde que yo estuve en la barriga de mi mamita, seguramente escuchaba a mi papá. Y toda mi vida.

 

Aparte de eso cuando era muy joven escuchaba las cumbias como “La Pollera Colora”, que escuchaba por onda corta gracias a que llegaba a la región donde yo nací. Escuchamos canciones que había hecho el maestro Enrique Delgado… Queríamos hacer algo nosotros también con la música de nuestra región”.

 

Tuvieron que pasar 44 años para que en México sonara en vivo el poder de la cumbia amazónica de Los Mirlos. Al fin el 22 de septiembre será una realidad ese primer encuentro y sobre ello Jorge Rodríguez tiene algunas ideas sobre cómo será ese instante:

“Todos los muchachos de Los Mirlos están contentos y será una gran experiencia y alegría compartir con ellos. Los asistentes serán los ganadores y se llevarán un bonito recuerdo porque Los Mirlos son una cuestión generacional. Ahora otras generaciones bailarán con Los Mirlos. Van a recibir la energía y la alegría de Los Mirlos presentando sus canciones y eso es importante”.

Como lo pinta, la experiencia en vivo de Los Mirlos no se compara con nada de lo que hemos escuchando o bailado desde tiempos inmemorables en fiestas familiares o noches con amigos.

Para la gran fiesta que nos espera con Los Mirlos, Sonido Gallo Negro también serán parte de esa noche, músicos que nos han hecho regresar al sonido de la cumbia con sus alucinantes arreglos sonoros. Y por si fuera poco, seguramente para esa fecha ya conoceremos el tercer disco inédito Mambo Cósmico. Para abrir la noche estarán como invitados y desde el meritito Peñon de los Baños: Sonido Arcoiris.

Antes te compartimos el flyer con los detalles de la gran noche de dosis de cumbia y el primer adelanto que conocimos del próximo disco de Sonido Gallo Negro: “Mambo Egipcio”. 

 

 

El elixir de vida de las canciones de La Barranca

Platicamos con José Manuel Aguilera sobre la fecha especial de La Barranca en el Teatro Metropolitan y sobre el secreto detrás para mantener vigente a canciones de hace 20 años.

“Es necesario saber soñar para sobrevivir en la barranca…” canta José Manuel Aguilera en la canción homónima al proyecto que mantiene con vida desde 1994 y parte del disco El Fuego de la Noche. Más que saber soñar, lo que mantiene a La Barranca en un lugar especial para la historia del rock en México, es la construcción detrás de sus canciones y el amor por la música que comparten las personalidades que han sido parte de su andar.

1996 y 1997 fueron años esenciales para La Barranca, ya que con tan solo tres años de darle identidad a la banda crearon dos discos importantes para entender la música de la escena mexicana: El Fuego de la Noche y Tempestad. Las canciones de esos dos discos volverán a cobrar vida en el escenario del Teatro Metropolitan el próximo 8 de septiembre, una de las fechas más especiales que han preparado, ya que será el momento ideal para unir a la vieja y nueva alineación de La Barranca.

Antes de llegar a esa fecha, hay todo un proceso detrás desde ensayos, visualizar el momento en el escenario y volver a emociones o recuerdos de hace 20 años. Por esa razón, charlamos con José Manuel Aguilera sobre cómo es revisitar el trabajo de El Fuego de la Noche y Tempestad:

“Las canciones están vivas y surgen a la vida cuando alguien las escucha. Pueden estar ahí guardadas por años en un disco, pero en el momento en que alguien las pone, vuelven a vivir. Son una relación temporal que se disuelve.

Regresar a ellas, para nosotros es una oportunidad de intentar verlas desde otro ángulo. Justo lo que vamos a hacer ahora es hacer una formación expandida de la banda, en donde van a estar tocando los músicos que en su momento le dieron vida a esas canciones, junto los que las mantienen vivas hasta la fecha. Tendremos a la formación original de la banda y la alineación actual.

Para conjuntar a todos estos músicos en el escenario tenemos que hacer un trabajo de revisión, para ver qué va a tocar cada quién. Esto nos ha permitido encontrarle un ángulo actual, más fresco y que tenga que ver con esta celebración en particular.

Básicamente vamos a tocar canciones que incluso nunca tocamos en vivo en su momento y hay una cuestión nostálgica en el sentido de que cada disco representa un momento específico en la vida de la banda y los músicos que la conforman.

Hay esta sensación, pero no queremos dejarlo en la pura nostalgia y por eso hicimos este esfuerzo de juntar a las dos alineaciones e intentar hacer una versión 2017 de estas piezas”.

 

José Manuel Aguilera, Alfonso André, Federico Fong, Navi Nass, Adolfo Romero, Enrick Romero, Cecilia Toussaint y Yann Zaragoza serán parte de la alineación de esa noche especial con La Barranca. “Estamos considerando qué toca cada quien y qué partes. Hay mucho momentos en los que los ochos vamos a estar tocando la misma canción y tendremos que ser muy cuidadosos con lo que hace cada uno para no encimarnos y que el concepto vaya caminando. En algunos momentos estará la alineación vieja, la nueva y en otros todos juntos”, adelantó José Manuel.

Revisitando y dando una escucha más a los disco que festejarán sus dos décadas en el Metropolitan, hay canciones sumamente vigentes, ¿Acaso hay un secreto para que las canciones lleguen a distintas generaciones? ¿Cómo lograrán que suenen tal cual salieron de la mente de sus compositores? Sobre esto, José Manuel Aguilera confesó:

“Pensaría que algo que finalmente algo que les ha permitido esa longevidad a las canciones es que nunca pertenecieron a un género especifico, es decir, no están casadas con un formato musical. De tal suerte, siempre la idea fue inventarles un propio lenguaje a cada una de ellas.

Si hubieran estado ligadas a un género, tal vez ese género ya pasaría de moda y las canciones también, pero como no fue así quizá por eso se presten a seguirlas revisando, reversionando 20 años después.

Quizá la otra parte de la respuesta es que no son perfectas y eso siempre dan pie a que se pueda regresar ellas… La mayoría de ellas son canciones con una estructura muy definida en su arquitectura principal. Y sí, eso es lo que nos permite reversionarlas y hacerles arreglos diferentes”.

 

La presentación en el Vive Latino de este año, nos ayuda a hacer un ejercicio de imaginación sobre el posible setlist que nos depara: “Obviamente, parte de lo que hicimos en el Vive Latino lo vamos a retomar. Un poco de lo que estamos haciendo ahora es cómo armar el concierto para llegar a ese punto. Queremos que pase por diferentes momentos, diferentes posibilidades y diferentes combinaciones de músicos para llegar a ese total de la alineación expandida”.

Este próximo concierto de La Barranca en la Ciudad de México es un detonador de sucesos que nos esperan en el futuro. Próximamente podremos encontrar la versión en vinil de Tempestad, un documento del momento y de las circunstancias que vivían en 1997. Además, José Manuel Aguilera adelantó que estamos a días de conocer música nueva de La Barranca:

“Sí, estamos en eso en paralelo mientras vamos caminando hacia el Metropolitan, comenzamos a trabajar un disco nuevo con música y canciones de La Barranca con la formación actual.

De hecho el próximo 18 o 19 de septiembre vamos a dar a conocer una nueva canción que ya es parte de esta producción que esperamos tenerla para este 2017.

Ya hay una canción para darla a conocer en septiembre”.

 

El Bálsamo musical que creó Caloncho

Después de escuchar por primera vez Bálsamo, el nuevo disco de Caloncho, platicamos con él sobre el proceso detrás para crearlo.

“Música como el abrazo de mamá. Bálsamo que suave alivia”, son parte de las primeras palabras de la canción que le da nombre al nuevo disco de Óscar Alfonso Castro, mejor conocido por nuestros oídos como Caloncho. Después de crear Fruta Vol. II y el ciclo natural de vida del disco entre conciertos, giras y la respuesta del público, se dio el tiempo necesario para crear más música.

Ese trabajo de años se resume a 36 minutos de su nuevo álbum Bálsamo, un viaje sonoro e introspectivo que recordaremos como la cápsula del tiempo que guarda los sentimientos y emociones de Caloncho. Ese viaje va desde los momentos más luminosos hasta un lado más nostálgico. “Hedonista” fue la primera canción que compuso para el disco y la primera que reveló; en ella descubríamos ese lado de lamento y nostalgia, esencia de otros géneros que retomó para este disco.

El segundo adelanto de Bálsamo fue “Optimista” y en menos de una semana descubrimos un personaje más del álbum, con su lado más pop entre sintetizadores y una pegajosa base rítmica. Una de las más alegres y con el sello totalmente Caloncho. Con esos primeros pasajes el tiempo para imaginar a qué sonarían las siguientes 11 canciones por escuchar.

Hoy Bálsamo es una realidad y con una escucha completa parece que se abre un portal a la mente y sentimientos de Óscar Castro. Parece que por un instante deja todo personaje para que la música se apodere de él y plasma el amor que tiene por la vida y los seres que lo rodean. Desde instantes de reflexión, letras eróticas, unión con la naturaleza o mensajes para seres que no están aquí, le dan voz a Bálsamo con diferentes técnicas de grabación.

Después de escucharlo por primera vez, platicamos con Caloncho sobre la manera en que construyó el disco y esos momentos clave que se viven en el estudio.

Pasaron casi dos años para que Bálsamo fuera una realidad. Cambiaron bastantes cosas entre toda la música y trabajos que tenías registrados. Son bastantes cosas involucradas para comenzar con un nuevo ciclo de grabación.

 Caloncho: Totalmente. Es algo que quedó muy firme en el nuevo disco.

Toda esa plenitud quedó registrada. Hay canciones muy contentas, como “Optimista”, que tiene ese discurso actual en donde estoy muy feliz de lo que me toca vivir.

 

No solo es tener ese sentimiento o esa plenitud, sino también poder plasmarlo y contagiarlo musicalmente y transmites esa vibra de bienestar, de lo que tendríamos que estar buscando todos en la vida.

Exacto, ese es un gran objetivo de vida. Lo que quería lograr musicalmente era eso, irme a otros géneros, irme a otros instrumentos y ver qué podía pasar. Es una búsqueda que no se acaba. Y este disco no sé de qué venga, pero quiero experimentar la magnitud y lo basto que es la música.

 

En este Bálsamo podemos encontrarnos desde un rocksteady, un poco de reggae y mezclas de géneros, pero en un día a día, cuando no estás en el escenario o en el estudio, ¿Qué es lo que escuchas?

Me gusta un chorro eso, el rocksteady. Me gusta mucho lo que hicieron los viejos Alton Ellis, previos a los Skatalites, Jackie Mittoo. El rocksteady en general que es rockanroll ligero expresado por la isla. Es precioso.

 

Justo de los pocos viniles que tengo, me encanta Michael Kiwanuka. Un vato muy genio. Y lo que escuchaba de más morro lo frecuento de repente, la música atemporal que hizo Jack Johnson o Bob Marley.

 

En cuestión de tu trabajo con un nuevo productor y esos cimientos que dejó Siddhartha, ¿Cómo fue la aventura para Bálsamo y el trabajo con Elsa y el Mar y Mateo Lewis? 

Ahora que acabas de mencionar a Elsa y a Mateo, admiro genuinamente todo lo que hacen, tanto Elsa como Mateo tienen una musicalidad de otro mundo. Y precisamente por lo que escuché que hacían ellos, busqué trabajar con Mateo como productor porque también es muy fresco. Lo que percibes es la mano de Mateo que es increíble.

 

El estudio estaba listo para que grabará con todo lo que se me ocurriera. Con unos fierros muy chingones, sintetizadores muy bien seleccionados de diferentes décadas, un piano viejísimo, todo lo que se te ocurra.

 

El proceso de hacer un disco es algo que uno se saborea por años y lo disfruté un chorro. Fuimos al Ganzo a grabar y fue otra experiencia. Te podías dar el lujo de un estudio en el que podían ser las 2 de la mañana y podías pedir cheves y comida.

 

Al grabar en diferentes lugares, ¿Es fácil poder reconectarte con las ideas que se quedaron en esos estudios y las terminaste en otro?

 

A mí se me hace que es necesario también. Rara vez termino en el momento.

Hay que dejar descansar la idea. Escucharla después, aunque viene otro dilema: ¿Cuándo dejar de producir? Es otra onda. A mí se me hace necesario eso de reposarla, sumarle después.

 

Una bendición poder vivir en paz y emitiendo sonido, so muy agradecido. Trombones pal mensaje.

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 Escuchando el disco, encontramos ciertas pausas o canciones más cortas que parecen descansos entre sí.

 Son interludios que le bajan el tempo al disco. Particularmente dos de ellos son súper tristes. Nada que ver con lo que hacía antes. Es muy contrastante en el disco. Son súper necesarios esos momentos para irse al lado brillante otra vez.

 

Te vimos disfrutando una vez más de tocar la batería. Qué otro gustito te diste en este disco, en cuestión de instrumentos y que quedara registrado en Bálsamo

 El Bálsamo está lleno de caprichos, como tocar baterías, tener a Mateo que es un súper músico. El vato produjo, tocó y mezcló. Ese es un caprichototote, el poderlo tener.

 

Y no solo eso, también me acompañó a ciertas fechas. Eso fue algo muy especial. Poder utilizar todo su conocimiento, los instrumentos que tenía. Toda la microfonía, es muy clavado con el equipo, es muy chingón y con muy buen gusto.

 

El bienestar que nos da el escuchar tu música se traslada a la portada, ¿Con quién trabajaste el arte?

El director de arte es Telesforo, un brother de acá de Guadalajara. Y el ilustrador es El Cursi, un carnal de Acapulco. A El Cursi le digo tocayo (risas).

 

Son muy talentosos, me gusta un chorro lo que hacen, me encanta lo que lograron con el arte y toda esa historia. Me acuerdo cuando compraba discos y que ofrecían el librito. Este lo puedes hacer póster y tratar de encontrar las canciones, significados, porqué está ilustrado de tal manera.

Por último, antes del lanzamiento de Bálsamo tuviste algunas presentaciones en España, ¿Cómo viviste lo que está sucediendo musicalmente por allá?

Me parece una experiencia muy afortunada que a través de la música poder viajar y mirar que está pasando. Y no solo eso sino que también conectan con el discurso.

Hicimos por allá algunos shows acústicos y la gente se sabía las canciones nuevas y apenas llevaban dos canciones afuera. Me encantó. Hay mucha afinidad con Madrid y Barcelona.

 

Son cosas que la música regala.

 

El próximo 26 de agosto, Caloncho presentará Bálsamo en el escenario del Plaza Condesa. Acá te compartimos el flyer mientras escuchas el nuevo disco, otra vez.

La Banda Bastón: “Si te crees tu propio juego tarde o temprano termina ocurriendo”

Platicamos con Muelas de Gallo y Dr. Zupremme sobre esos detalles que hacen especial al disco Luces Fantasma y de su próxima presentación en el Teatro de la Ciudad.

“Defiendo lo que digo, no lo que tú interpretas” es la frase que bien podría definir los 20 años de historia La Banda Bastön, en los que las historias y compañía sonora que crean Muelas de Gallo y Dr. Zupremme demuestran que son parte de los máximos referentes de la escena de hip hop y rap en México, de la última década. Desde Baja California Sur, para el mundo. La frase que citamos es parte de “Constelaciones”, canción de Luces Fantasma su más reciente disco y el cual presentarán el próximo 21 de julio en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. Una conquista más en la historia de La Banda Bastön.

En el último viernes de estrenos de febrero conocimos Luces Fantasma, un esperado quinto disco en el que Muelas de Gallo se convierte en el narrador de esos momentos en que la luminosidad de los seres humanos brilla hasta llegar al fondo para poder reconocerse. Todo ello a través de temáticas como las relaciones de amor, desamor y un clásico “solo como amigos” o pensar en el poder que se disputa en las calles al entrar a un negocio del que no se puede salir jamás.

Este álbum es uno de los mayores logros para La Banda Bastön, con la profundidad de las letras, las capas sonoras e incluso el número de colaboradores que se cruzaron en su camino para darle una esencia única a Luces Fantasma. Para conocer aquellos detalles detrás del proceso de creación y de los 20 años de música, platicamos con Muelas de Gallo y Dr. Zupremme sobre ello.

 

Les ha tocado vivir y ser parte de diferentes momentos para el rap mexicano y ahora cumplen 20 años, ¿Qué es eso que los mantiene creando música y para hacer un disco como Luces Fantasma?

 

Muelas de Gallo: Lo que nos mantiene es saber recibir lo golpes. No recuerdo exactamente que boxeador decía eso, que boxear no se trata de golpear, sino de saber recibir el golpe. A lo largo de los años no hemos gozado del favor de los medios, solo en determinados momentos. Cuando se les hace cagado llevar a raperos a un programa. Se trata de que te den tu lugar, tu respeto.

 

Lo que nos ha mantenido es creérnosla desde el primer momento. Creíamos en nosotros. Cuando estábamos en una situación económica difícil, siempre creíamos. No sabíamos cómo, pero sabíamos que iba a suceder. Si te crees tu propio juego tarde o temprano termina ocurriendo.

 

Dr. Zupremme: Como dice Muelas en la rola de “Raperos Adultos”: la amistad es el núcleo del hip hop, del oficio. Cuando deje de ser divertido o que se convierta en una carga, pienso que ya no lo vamos a querer hacer o ya no nos va a salir igual. Incluso cuando vamos a tocar o en el camino, la pasamos bien, grabamos rolas. Pienso que eso es parte de la fuente de la eterna juventud. Cada vez que estás en el escenario es como regresar en el tiempo.

 

Luces Fantasma es un disco que se preparó por un buen tiempo, ¿Qué es lo que queda plasmado en este disco?

 

Muelas de Gallo: Lo preparamos por casi dos años desde que empezamos a trabajar en todo el proceso. Todo salió mucho mejor de lo que esperábamos. Mi parte del trabajo está en las letras, no me sentía tan seguro, pero cuando escuché a Zupreeme y lo que logró al final quedé contento y es del trabajo del que más orgulloso me siento.

 

Dr. Zupremme: Nos tomamos nuestro tiempo para hacer el disco. Todo el tiempo estoy haciendo pistas y nos ponemos a ver qué es lo que nos llama la atención. Todo lo que hago me gusta, pero no vamos a utilizarlo todo para Banda Bastön

 

Llega un momento en que cruzamos ideas, escuchamos lo que ha hecho Muelas y algunas frases son las que quedan seleccionadas para cierto track. Cada canción tiene su onda, comienzan muy básicas.

 

Vamos seleccionando las que nos gustan más, se las enseñamos a nuestros amigos, al equipo de trabajo para saber cuáles llaman la atención. Las que comienzan a despuntar a esas les ponemos más atención, agregamos detalles.

 

Hacemos lo que nos pide la rola, sin el acelere de “ya hice una canción la voy a sacar mañana”. La dejamos reposar, escuchamos qué le falta o sobra. Son las ventajas de la independencia.

 

Las canciones mandan y son nuestro jefe.

 

Desde que inicia “Señor Malo” y hasta llegar a “Gracias” parece que las letras, las rimas cuentan una historia, con 20 años de historia hay muchas cosas por decir, ¿Qué hay en las historias que se cuentan en este nuevo disco?

 

Muelas de Gallo: Una constante en las canciones que he escrito a lo largo de los años, es hablar del ego, de ti mismo, pero no hacerlo para vanagloriarte. Por poner un ejemplo, primero logras elevarte, creerte lo más perro que hay en el mundo y en la siguiente rima desdibujarte, irte hasta abajo.

 

Pero eso es parte de todos los seres humanos, tener el lado sublime y la parte horrible, lo negativo y lo positivo; abrazar todos los demonios y entenderlos como parte de ti, parte de un todo. Las canciones van por ese lado.

 

Podría decirse que mi comportamiento es erróneo o es horrible, pero en realidad estamos hablando de cosas absurdas, como de fiesta, drogas, de pasarla bien, pero mi intención es que te veas en ese espejo.

 

Si la rima se quedó en tu mente incómodamente es por algo, porque tiene que reflejar algo en ti.

Nosotros somos como personajes, así lo veo. A través de mi filtro, pero representando a un personaje. No todas las canciones se tienen que tratar de mi vida. Ese es un error en el que incurren muchos de mis colegas, que todas sus rolas se tratan de la vida del rap o de cuando andan de gira, cuando les tiran odio.

 

A nosotros no nos interesa eso. Si acaso tenemos dos canciones que hablan del hip hop o de la competencia, pero todo lo demás tiene relación con cuestiones sociopolíticas. Hay muchas canciones que escribo sobre un tema y cuando salen la gente les pone otro. Ya les pertenece a ellos.

 

Además de dar tu voz a las historias, para este disco deciden incluir colaboraciones con representantes de la nueva escuela del Hip Hop latinoamericano con Mariel Mariel y hasta Denise Gutiérrez. ¿Cómo se fueron sumando esos colaboradores?

 

Muelas de Gallo: Es una cuestión de confianza y de complicidad. A lo largo de nuestras carreras vamos conociendo personas con las que te llevas bien, personas con las que te relacionas a nivel intelectual y te das cuenta que tienen ideas parecidas en cuestión a la creación. Hay una atracción en ese aspecto.

 

Así se dan las cosas para nosotros. Con Denise Gutiérrez desde hace un par de años queríamos trabajar con ella, pero no podíamos tener un acercamiento con ella y estar en un lugar juntos para platicar de música y decirle. Después de varios amigos en común, por ejemplo Bonnz, nos ayudó a llegar a ella, platicamos, nos empezamos a llevar muy bien y con la canción surgió súper fácil.

 

Con McKlopedia, me he vuelto muy amigo de él. No es una persona fácil y no porque sea mamón, sino que tiene objetivos muy claros sobre las cosas que quiere hacer y cómo lo quiere conseguir.

 

Me volví compa de él, le cayó al estudio para escuchar una canción, escuchó más, pero no le gustó la que habíamos seleccionado para él. Le dijimos que era una gran rola y debería probarlo. Al final lo intentó y quedó bien contento con los resultados.

 

Todo se trabaja a partir de eso.

 

Dr. Zupremme: Lo importante de las colaboraciones es que todas las hicimos frente a frente en el estudio. Por ejemplo con MLKMN ya la habíamos maqueteado en México y la terminamos en un estudio en Los Ángeles.

 

Con Antibalas, aprovechamos su visita a Bahidorá y los jalamos al estudio para grabar en esa semana. Todo tratamos de hacerlo así, no solo por negocio, sino de compas. Se escucha que nada esta forzado.

¿Qué significa para ustedes llegar al escenario del Teatro de la Ciudad?

 

Dr. Zupremme: Buscamos dar un paso más adelante con lo que vamos haciendo.

Todo este año no hemos tocado aquí en la CDMX porque queríamos hacer algo significativo para la presentación del disco y de eso se trata este próximo show en el Teatro de la Ciudad.

 

Queremos llevar a todos los invitados que podamos. Hacer algo que no se ha hecho en el rap mexicano. Una presentación en un recinto así. Hacer que valga la pena el jale que nos tomó estos dos años de preparar el disco. Que se quede en la memoria colectiva de la gente que nos acompañe esa noche.

 

Además a partir de este 21 de julio se podrán obtener la versión física del disco.

 

Muelas de Gallo: Esa era la onda, buscar un lugar agradable, cómodo, lindo, profesional, donde escuches música de verdad.

 

Será parte de la historia del hip hop mexicano. Podrán decir que estuvieron en el primer concierto de rap chingón que hubo en el teatro de la ciudad. No sé si alguien más lo hizo, pero seguro no ha sucedido.

 

Te compartimos la entrevista completa de Hispanoparlante con todo y las canciones que La Banda Bastön eligió para conocer más del disco Luces Fantasma. Te compartimos el link por si quieres comprar boletos para esta especial presentación de Muelas de Gallo y Dr. Zupremme en el Teatro de la Ciudad, ACÁ. 

El tesoro que construyó El Mató a un Policía Motorizado

Platicamos con Santiago Motorizado sobre esos detalles detrás de La Síntesis O’Konor, previo a la gira que están por iniciar en México.

En uno de los primeros conciertos que dio Él Mató a un Policía Motorizado en el 2004, solamente asistieron cuatro personas. Ellos eran los teloneros de la noche, en algún lugar de Buenos Aires, Argentina. 13 años después son capaces de llenar cuatro veces un Niceto Club, en menos de una semana, y darse el lujo de presentar por primera vez La Síntesis O’Konor, el esperado nuevo disco de la banda platense. Por si fuera poco, es la primera vez en la historia de Él Mató en la que comienzan una gira fuera de Argentina, a tres semanas de lanzar un álbum para llevarlo a sus escuchas latinoamericanos.

Santiago Motorizado y Doctora Muerte son amigos desde la infancia y en los primeros años del dos mil Pantro Puto, Niño Elefante y Chatrán Chatrán se unieron a ellos para crear música. En ese instante, probablemente no imaginaban que serían una de las bandas independientes que cambiarían la manera en concebir la música en La Plata. Desde un sonido que no era del todo explorado, influenciado por Almendra, Embajada Boliviana o Pavement, hasta no recurrir a las grandes disqueras o medios y solo depender del la recomendación de boca en boca, fueron una muestra de que la autogestión era posible de trasladar a su contexto más cercano.

Las emociones que logra capturar Él Mató, sonora y líricamente, es parte de la esencia y el vinculo principal con sus escuchas. Uno de los principales fanáticos de los platenses es J, voz y compositor de Los Planetas. En el 2013, en una de las primeras visita de los argentinos a España, J conversó con Santiago para la revista Rockdelux y en uno de los fragmentos de esa charla, el líder de Los Planeta así define a la voz de Santiago:

 

“Tiene una voz rugosa, quebrada, hipnótica, muy rica en armónicos. Una voz que, sin amplificación, surge profunda de su corpachón… Su voz añade un punto emocional a sus canciones sencillas con eslóganes repetidos”.

 

Y sí, parece que tiene la mejor definición para una de la voces más especiales que hemos escuchado. Cuando J se refiere a las canciones sencillas, nos hace pensar en esos temas de la época de La Dinastía Scorpio con “Chica de Oro” o “Chica Rutera” del EP Un Millón de Euros.

Él Mató es una de las bandas independientes que no dejan de crecer. En el 2015 como transición entre La Dinastía Scorpio y lo que hoy conocemos como La Síntesis O’ Konor, existe el EP Violencia. Cuatro canciones para imaginar a qué sonarían en el futuro. Con 12 años de historia, aparecieron en la portada de la revista Rolling Stone de Argentina y los llamaron “Los nuevos héroes del rock & roll”. Sus escuchas, más que pensar en la clásica idea “Son unos vendidos”, vieron en esa portada un triunfo. Triunfo para la música de Él Mató y para una escena musical que lleva a la independencia como bandera.

Hoy Santiago Barrionuevo (bajo y voz), Willy Ruíz Díaz (batería), Manuel Sánchez Viamonte (guitarra), Gustavo Monsalvo (guitarra) y Agustín Spasoff (teclados) logran conquistar un nueva narrativa en sus canciones y envolvernos en nuevas atmósferas cargadas de discretos y emocionantes arreglos que consuelan ante la melancolía de la voz. Sobre esos detalles detrás de La Síntesis O’Konor y previo a la gira que están por iniciar platicamos con Santiago Motorizado.

 

Ante la llegada de un nuevo disco, presentarlo en vivo y comenzar con una gira por Latinoamérica, ¿Qué sentimientos prevalecen más? ¿Es ansiedad o nerviosismo?

 

La ansiedad siempre. Yo soy muy ansioso en general y esta no es la excepción.

 

Obviamente se multiplica porque el disco saldrá a la vez en físico en México, EUA, Perú, Argentina Brasil, Chile. Es muy loco, ¿No? Pensé que sería más simple coordinar todo eso y la verdad es que no. Aunque realmente me divierte. En un punto de mi cerebro me estoy divirtiendo. Siempre prevalece la independencia, la autogestión y hay que aprender a vivir estos cambios en este recorrido cotidiano.

 

Desde los primeros días del 2017 compartían la noticia de su viaje al estudio Sonic Ranch, en Texas, para grabar este nuevo material y su trabajo con el productor Eduardo Bergallo. ¿Cómo vivieron esos 21 días creando La Síntesis O’ Konor?

 

 Fue una sesión de 21 días muy intensa. Nosotros, no sé por qué calculamos que 21 días darían tiempo suficiente, que al final lo fue. Fuimos descubriendo que para el tipo de producción que habíamos encarado era más cómodo quedarnos un par de días más. Quizás un mes. Fue más intenso de lo que habíamos planeado.

 

Más allá de eso, los primeros días empezamos a programar un equipo de trabajo y que en algún punto había nervio. Afortunadamente, salió todo bien. Las cosas pueden salir mal, lamentablemente es así, pero salió todo muy bien. Fueron jornadas de experimentación musical, de estar juntos, de estar viendo las tendencias del tipo de producción que veníamos haciendo. Fueron días de buscar y la pasamos muy bien.

 

Al escuchar el disco, nos hace pensar que hubo un gran trabajo de pre producción. Notamos percusiones muy presentes y las relacionamos con sus presentaciones en vivo, pero que en los discos no quedaba tan presentes hasta ahora. Cuéntanos un poco más si así lo tenían visualizado y el resultado que quedó en el disco.

 

Fue el disco al que más tiempo le hemos dedicado en trabajo de pre producción… Montamos en nuestra sala de ensayo, la fuimos armando poco a poco y la usamos de estudio de grabación para hacer algunas canciones.

 

La verdad es que están muy presentes las percusiones. Han estado siempre, pero en este caso mucho más. Multiplicado en todos los temas y con protagonismo. No solo como un adorno o para darle color, sino como protagonistas de muchas canciones. La verdad es que eso es nuevo en el universo de la banda, pero lo disfrutamos un montón. Hay un momento en el que todos estuvimos de acuerdo y salieron cosas que nos gustaron mucho.

 

 

Entrando un poco más a detalle en cuestión de las letras, narras un poco más a profundidad las cosas. ¿Cómo trabajaste esa parte?

 

Sí, es verdad tienen una construcción más narrativa y que son más largas. Apareció esa necesidad. Quizá por la forma de las canciones que permitió ese espacio

Las canciones a diferencia de otros discos tienen más vuelta, se van ampliando en la recorrida. Era una gran cosa en la que estábamos trabajando.

Nos gustaban esas cosas más minimalistas de presentar la canción casi con su esencia más primaria. Ahora en este caso estamos encarando de otro lado, de darle otros planos, otra ampliación. Fue una decisión que nació como un cambio, pero que tomamos de manera profunda.

 

¿Siempre tuvieron claro que esas 10 canciones serían las que estarían en el disco? “Violencia” podría estar más pegada a La Dinastía Scorpio, pero tal vez en algún momento la imaginaron como parte de La Síntesis O’ Konor. ¿Cómo seleccionaron las del nuevo disco?

 

Cuando empezamos a encarar el disco teníamos un grupo de canciones que empezamos a ordenar, a imaginar cómo iban a ir, cómo realmente el álbum podría tener forma con esas canciones y empezamos con la sesión de pre producción. Un poco pasaban los días y comenzábamos a tocar esos temas.

 

Cuando salió “Violencia” sentíamos que nos gustaba mucho, pero se escuchaba la línea de La Dinastía Scorpio. De alguna manera compilaba un poco con el lenguaje que ya habíamos trabajado hasta ese momento. Incluso ahí nació la idea de separar esas dos canciones, que si son buenas, pero pertenecían a otro contexto. Además se complementaron con “El Baile de la Colina”, “Rucho” y “Aire Fresco” .

 

Quizás empezaron a insinuar lo que terminamos haciendo en La Síntesis O’ Konor. Entonces el disco quedó en una especie de intermedio. Retomamos distintas sesiones, algunas grabaciones y el trabajo que habíamos empezado.

 

El armado del disco, el orden y demás tienen un ritmo, incluso en la duración de las canciones, una larga, una corta o esa es la sensación es la que te deja. ¿Se tomaron buenas decisiones en el acomodo de las canciones en el disco?

 

Después de hacer esa pre producción, llegamos a Sonic Ranch con 15 canciones. Las grabamos, pero decidimos al final estas 10. También dejamos dos canciones más que están en el single que lanzamos: “Madre” y “Postales Negras”. Y quedaron tres más que aún no vieron la luz, pero que en algún momento las vamos a sacar también.

 

Siempre nos tomamos un tiempo para decidir el orden. En este caso a diferencia de otras veces le dimos bastante importancia al saber que iba a salir en vinilo. Entender los tiempos del vinilo que son dos lados de entre 18 o 20 minutos y era algo que nunca habíamos hecho. Nosotros crecimos con el CD, pero ahora el vinilo está más presente que en otros tiempos. Lo reordenamos con el criterio que siempre tratamos de usar, pero ahora con ese elemento de los tiempos del vinilo.

 

Arrancar con cuatro Nicetos llenos parece ser el triunfo de una cierta movida de bandas. Además, son la banda que trasciende en España, América Latina, ¿Cómo pensaron el arranque de la gira con esas cuatro fechas?

 

Es algo que venimos haciendo desde hace un tiempo, de hacer varias noches seguidas acá. Hacíamos una y se quedaba gente afuera y tuvimos que hacer dos, luego tres y se fueron sumando. A mi me gusta mucho tocar en vivo. Me interesa bastante la idea de disfrutar la noche y tendremos la posibilidad de vivirlo cuatro veces.

 

Tenemos la idea de poderlo hacer en un lugar más grande en Buenos Aires, pero acá en Argentina hay un déficit con los espacios intermedios, de pasar a un lugar como Niceto, Groove, que tienen capacidad para Mil 500 personas. Ya directamente tienes que pasar a lugares para 6 mil. Siempre falta un intermedio.

 

No nos queríamos ir sin presentarlo en Buenos Aires, pero ahora podemos presentarlo y viajar de inmediato a México. Me parece genial y recorrer más ciudades de México, estoy muy ansioso y con mucha expectativa porque seguramente será muy divertido.

 

Ahora y siempre, nuevos creadores de rock and roll.

 

Te compartimos las fechas de la gira de Él Mató a un Policía Motorizado por México y la charla completa con Santiago Motorizado para Hispanoparlante.

 

 

Reyno en el principio del futuro

Invadimos el estudio de Reyno para que nos contarán más detalles sobre la manera en que crearon Al Principio del Final, su primer disco en vivo.

La unión de dos mundos, Viaje por lo Eterno y Dualidad, existe en Al Principio del Final, el nuevo material de Reyno. En diciembre del 2016, Christian Jean (voz y guitarra) y Pablo Cantú (batería y coros), mentes detrás del nombre de Reyno, tendrían una de las fechas más importantes en su corta carrera en el Auditorio BlackBerry.

Lo que haría especial a esa noche era el set que tenían preparado: una selección de 13 canciones que representa momentos clave para la historia de Reyno ejecutados sin pausas y que crearían una pieza de 52 minutos que ahora conocemos como Al Principio del Final. El ejercicio que algunos escuchas generan en su mente al imaginar que una canción como “Parte del Sol” que cierra el álbum Viaje por lo Eterno sonaría perfecta al combinarla con “No Olvidé” de Dualidad. Al grado de pensar que son elementos sonoros que salieron al mismo tiempo en el cuarto de ensayo de Christian y Pablo.

Lo que era un ejercicio imaginario, se convirtió en realidad justo en esa noche de diciembre, en la que Reyno mostró las combinaciones posibles de sus canciones. Todas como si pertenecieran al mismo tiempo y espacio de creación. Como un trabajo para no repetirse.

Incluso, ahora que conocemos la portada de Al Principio del Final se descifran ciertos elementos que representan bien a la historia Reyno. Desde la unión de “Dos Mundos”, ser parte del sol, la unión de mares y el lado fugitivo al ver a un misterioso ser como parte central de la portada. Todo se engloba en la mística alrededor de su música.

El reto de ese concierto era no equivocarse en ningún momento porque esa sería la primera y única toma que existiría. Por ello, platicamos con Christian Jean y Pablo Cantú sobre ese momento, la manera en que construyeron este nuevo ciclo y cómo piensan darle vida en el concierto del 24 de junio en el Teatro Metropolitan.

 

Ese concierto de diciembre fue el cierre de ciclo de dos discos y con Al Principio del Final recobran una nueva vida. Ahora que ya lo comparten con todos sus escuchas, ¿Creen que quedó como siempre lo imaginaron?

Christian: Si lo logramos. El resultado nos tiene muy contentos, satisfechos y queremos tocarlo más en vivo. A la fecha solo lo hemos tocado una vez y media en vivo. En Monterrey sonó en Pal’ Norte, pero no completo. Ya que está el producto terminado y tuvimos un buen resultado con este proyecto nuevo, ahora lo que queremos es disfrutarlo y tocarlo lo más que se pueda.

 

Cuando las preparaban o las estaban tocando en el escenario, ¿Se enamoraron más de las canciones al ver que una empataba tan bien con la otra?, ¿Cómo tuvieron que evolucionar las canciones del primer disco? 

Pablo: Sí, es un reenamoramiento porque necesitas siempre estas renovaciones para no hartarte de tu material porque al final estás tocando lo mismo una y otra vez. Significó tener otro reto en vivo, que en este caso fue unir las canciones.

 

Se vuelve bastante refrescante y particularmente con dos canciones que nunca se habían tocado en formato banda que son “Parte del Sol” y “Al Principio del Final”. Se siente que estamos tocando un nuevo disco

 

Christian: “Al Principio del Final” solo la hemos tocado dos veces en la vida.

 

Pablo: Recuperamos “Fugitivo”, una canción muy celebrada, pero como fue con la que abrimos todo el principio de la gira que tuvimos con Zoé, quedó un poco sepultada.Vas tratando de manipular la baraja de la mejor manera para no aburrirte tú y que las personas que te van a ver por una segunda o tercera vez les des el gusto de esa canción que no han podido escuchar en vivo u otra versión.

 

¿Cómo fue la experiencia de montar las canciones?

Christian: Mucho del trabajo se hizo previo aquí en el estudio con una concepción completa de cómo sería el formato. Al hacer algo que es unido necesitas los elementos para unirlo, por ejemplo, tener sintetizadores. De repente es bueno tener una cama de acordes o de efectos antes de pasar a una canción porque se vuelve más atmosférica.

 

En la pre producción fue donde se trabajó más de Pablo y nuestro productor Carranza, quien era nuestro ingeniero en audio y ahora está tocando con nosotros los sintes y los teclados. Fue como armar una maqueta de todo el concierto. Incluso, Pablo la metió gritos de la gente para pensar en cómo iba a sonar.

 

Pablo: También eran para calcular cuánto tiempo tenía que existir entre una canción y otra. Tanto tiempo van a gritar, tanto tiempo van a disfrutar de un acorde… en el escenario me reía porque cuando veía que si estaban gritando el mismo tiempo como en la grabación previa, dije ‘wow’. Todo estuvo previsto.

 

¿Cuál fue el filtro de selección para las canciones que quedaron en Al Principio del Final?

Christian: Dejamos afuera algunas canciones porque al momento de unirlas no entraban tan fácil. Fue minucioso el proceso de saber cuál iba después y con qué se podía unir. Tampoco queríamos repetir las transiciones.

 

Estamos tratando de mantener el formato de primero tocar el disco tomar un pequeño descanso y regresar a tocar otras canciones que consideramos son importantes para la gente que sigue a la banda.

 

Por último, ¿Qué significa para la historia de Reyno este nuevo material y que viene para el futuro?

Pablo: Queríamos tener plasmado lo que es la banda en vivo. En lo que estamos grabando el tercer disco de estudio está mejor girar con otro formato. Tenemos muy claro que no queremos repetir nuestro show. Es una buena transición para tomarnos las cosas con calma para el siguiente disco.

 

Estamos viendo si en el Metropolitan estrenaremos una o dos canciones del tercer disco y confirmaremos a algunos invitados.

 

Es seguro que saldrá el tercer disco saldrá a principios del próximo año y seguramente lanzaremos un sencillo antes de que termine el año.

 

Tenemos pases dobles para el concierto de Reyno en el Teatro Metropolitan este 24 de junio. Solo tienes que contestar las siguientes preguntas y mandar las respuestas a staff@signos.fm con tu nombre completo:

  1. ¿En qué fecha grabaron el álbum en vivo Al Principio del Final? 
  2. ¿Cuáles son las dos canciones que nunca había tocado Reyno?
  3. ¿Cuántos interludios hay durante Al Principio del Final? 

 

 

La Ciencia Exacta en la música de Gepe

El anuncio de un nuevo disco de Gepe llegó de sorpresa. Previo al lanzamiento de Ciencia Exacta platicamos con él sobre “Hablar de Ti” y más detalles de esta nueva etapa.

¿Recuerdas que hacías un 18 de mayo del 2007? Exacto, probablemente no lo recuerdes, pero esa fue la fecha de salida del disco Hungría, el segundo disco en la carrera solista de Daniel Riveros, a quien ya conocíamos como Gepe y hoy un referente importante en la última década para la música chilena y latinoamericana. Aquel 18 de mayo, Gepe presentaría el disco Hungría en el Cine Arte Normandie y ese día se enfocaría en mostrar la esencia del disco con algunos matices en vivo y versiones nuevas de la canciones de Gepinto (2006).

“Yo creo que es el disco más enigmático que he hecho, siento que no podría repetir esa experiencia. Lo hicimos en un verano del 2007. Muy rápido y raro todo, está bacán. Aprendí mucho con ese disco. Aprendí que hay que sentirse cómodo con los arreglos, hay que estar perdidos y confiar en esa manera de estar perdidos… Aprendí dando palos de ciego”, eso piensa Gepe sobre el disco Hungría y 10 años después, en el día en que estrena “Hablar de Ti”, el primer sencillo de su sexto disco Ciencia Exacta que conoceremos el próximo 26 de mayo.

 

Mientras caminaba por las calles de Santiago de Chile, logramos contactarlo vía telefónica y platicamos con él para que nos contará más detalles de su próximo lanzamiento. Al conocer el nombre del sexto disco, no resistimos saber cómo pasó del Estilo Libre (2015) a pensar en Ciencia Exacta:

“La verdad que los nombres a veces son un enigma y muy pocas veces lo he tenido claro, realmente. Nombre al disco así porque ciertamente no hay una ciencia exacta en la música, pero si hay un método y una manera sistemática de hacer las cosas que de a poco la he ido descubriendo. Descubrí una manera de hacer canciones, que me hace sentido y me siento muy cómodo.

 

La manera de hacer el disco me sugiere la sensación que tenía o la manera en que quería hacerlo desde un principio. Toda esta vuelta que me he dado por estos cinco disco, me hace llegar a este sexto diciendo: realmente yo trabajo de esta manera, este es mi lenguaje musical, estas son mis imágenes o partir de esto construyo.

 

Yo creo que por eso tiene que ver Ciencia Exacta, buscándola o sintiendo realmente que no existe una. Por eso el nombre”.

 

La noticia de tener un nuevo material de Gepe con 10 canciones, sorprendió a todos porque en realidad no teníamos pistas claras sobre su trabajo en el estudio. Por lo regular en Instagram es muy activo y sube algunos videos en la que hace covers o canta canciones de su repertorio, solamente con su guitarra y su voz. Y de esa manera un tanto orgánica fu el método indicado con el que comenzó a crear Ciencia Exacta:

“Yo creo que este disco tiene mucho que ver en cuanto un montón de aspectos a lo que hacía en un principio de mi carrera, por ahí del disco Gepinto o del disco Hungría. Todo bastante intuitivo y lo trato de mantener simple, sin mayores complicaciones.

 

Son canciones muy simples. En término de arreglos musicales no es tan parecido a los primeros disco, pero si el espíritu, en cuanto a la inmediatez de la composición de las canciones y en particular la de ‘Hablar de Ti’ que salió súper rápido, de manera intuitiva, impulsiva. No me tomó mucho tiempo. Fue bonito hacerlo.”

Ciencia Exacta comenzó a grabarlo entre los últimos cuatro meses del 2016. La espontaneidad es una de las características de esta nueva etapa, para la cual Gepe menciona que hay un imaginario latinoamericano con su sello personal y una búsqueda hacia el interior de todo el trabajo recorrido a lo largo de sus último cinco disco. Como lo hace desde Audiovisión, volvió a contar con la producción de Cristián Heyne, quien también estuvo detrás del sonido de músicos como Javiera Mena, Alex Anwandter, Fernando Milagros, Camila Moreno, Dënver, por mencionar a algunos. Al trabajo de producción también se sumó Fernando Herrera y sobre sus dos compañeros, Gepe mencionó qué le dio cada uno en esta nueva etapa:

“De Christian admiro mucho su trabajo primero que nada. Somos grandes amigos y trabajamos bien juntos. Me gusta en particular que tiene mucha versatilidad en cuanto a producción de discos, ha estado detrás de discos muy pop, mainstream. Me gusta esa paleta que tiene.

 

Fernando Herrara, otro de los productores, viene de otros mundos. Es más joven que Cristián y que yo. Es un músico que ha estado conmigo los últimos dos años en vivo y en los discos. Es el músico más pragmático que he conocido. Tiene un ojo súper objetivo dentro de lo posible.

 

Se complementa la triada con un personaje versátil y uno más inspirado por llamarle así”.

Al compartir la noticia de la llegada de Ciencia Exacta, Gepe también reveló el nombre de las 10 canciones que tendrá el material. La canción que abrirá el disco es “Hablar de Ti”, la cual también fue la elegida como primer sencillo y que estrenó este 12 de mayo. Pero, ¿Por qué seleccionó a “Hablar de Ti” para abrir el disco y sencillo?:

Por una razón súper simple: porque es la primera que hice del disco. Es la primera que salió en septiembre del año pasado. En un día y en un rato. A partir de esa canción comencé a crear el disco y también con la canción que le sigue que es “Abrir la Puerta”.

 

 

Los primeros segundos de escucha de “Hablar de Ti”, solo está Gepe y un ukelele. Después, poco a poco se van sumando más instrumentos y arreglos que construyen los primeros recuerdos de escucha de Ciencia Exacta:

“Para todos los discos siempre estamos construyendo las canciones. Es decir, si notamos que le hace falta una batería, la sumamos y no nos preguntamos mucho más. Ciencia Exacta sigue siendo uno de los discos mucho más sencillos, en cuanto a que no nos dimos tantas vueltas en hacer arreglos complejos.

 

Por ejemplo, “Hablar de Ti”, el ritmo de esta canción que podría funcionar en algo así como un reggae urbano, sumamos la batería, probamos y grabamos. Si no me equivoco partimos con la guitarra mía y la batería. Después sumamos instrumentos. Todo en función de una canción.

 

Después se volvió un poco más elaborado. Por primera vez contratamos un cuerpo de cuerdas en donde hay viola, chelo, violines, para hacer los arreglos de cuerdas y no solo para esa canción, también para una canción que se llama ‘Hoy’.

 

Creo también es la más simple de composición, pero la más compleja en términos de arreglos y personajes que tocaron”.

Dentro de la lista de canciones que le darán vida a Ciencia Exacta descubrimos que Gepe incluirá un cover a Las Flores de Café Tacvba y no podíamos quedarnos con la duda de por qué decidió incluir este tema como parte de su obra:

“Estoy más seguro de las cosas que incluí en el disco porque lo hice de manera intuitiva que por algún camino más lógico… La primera vez que toque esa canción fue en el Lunario en 2013 (Nota: De acuerdo con el registro que queda en Setlist.fm, la primera vez que la tocó fue en el Lunario del 2014), ahí fue cuando se me ocurrió, no me acuerdo si fue estando allá (CDMX) o cuando estaba aquí en Santiago. La tocamos, salió súper lindo, siempre la tuve, hasta que la grabamos de una manera súper simple.

 

Por lo demás me encanta esa canción. Tiene una letra que puede ser un poco enigmática, pero son sensaciones. De alguna manera construí una melodía de la cual me siento súper de alguna manera familiar. Aprendí de Café Tacvba, sobre todo del disco Re”.

Hace 10 años, días antes del lanzamiento de Hungría, Gepe visitó el programa Cadena Nacional para platicar de su segundo disco. En esa entrevista mencionó: “No quiero encasillarme en un lugar, sino que me gusta hacer canciones, no más. Y al hacer canciones uno puede hacerlas de la manera que se le da la gana”. Ese pensar sigue vigente en la música de Daniel Riveros, esencia que lo ha convertido en uno de los músicos chilenos que seguirá sorprendiendo y demostrando que ese espíritu libre es la ciencia exacta en su música.

El próximo 26 de mayo, Ciencia Exacta estará disponible en todas las plataformas digitales y en su formato físico. Y meses después saldrá la versión en vinilo. Uno de los primeros escenarios donde sonará música nueva de Gepe será en el festival Selvámonos en Perú y en el Ruido Fest de Chicago.

Actualización: Este 17 de mayo Gepe estrena el video para “Hablar de Ti”, en el que vemos una íntima fiesta y (casi) todos los instrumentos que imaginamos en la primera escucha de la canción. Quienes acompañan a Gepe en este video son Juanita Parra, conocida en la escena chilena por ser la baterista de Los Jaivas, Fernando Herrera, productor de Ciencia Exacta, Manuela Baldovino y Franz Mezko y además su pareja, la actriz Antonia Zegers.

Este video contó con la dirección de Dominga Sotomayor, con quien también trabajó para el audiovisual de “Punto Final”.

 


Escucha”HISPANOPARLANTE 47 – Viernes de estrenos + entrevista con Gepe y Leiden” en Spreaker.

Las etapas para llegar a Imperfecto Extraño

Estamos a días de conocer Imperfecto Extraño, el sexto disco de Enjambre y platicamos con ellos sobre las etapas dentro del proceso de grabación y el tiempo que se tomaron para crearlo.

Desde el disco El Segundo es Felino, cada álbum que se sumó a la historia de Enjambre tenía un ciclo de vida promedio de dos años. Terminó el 2016 y ese ciclo que comenzó con Proaño llegó a su fin cuando por primera vez sonó “Celeste”, en la fecha que tuvieron el pasado 17 de noviembre en la Carpa Astros. Esa fue la primera señal del sexto disco de los hermanos Navejas, en compañía de Ángel Sánchez y Javier Mejía.

Pocos fueron los afortunado en escuchar por primera vez “Celeste” y no dudaron en grabarla y subirla a YouTube. Aunque el audio de esos videos no le hace justicia a la canción que compartió Enjambre desde el primer minuto del 21 de abril, se revelaba la importancia de esa canción para ser la primera en compartirse en el escenario gracias a la frase “Soy un solitario/ Imperfecto Extraño”. Exacto, el título del nuevo disco.

 

 

En un mundo hecho trizas, parece que Enjambre quiere provocar viajes por nuestras emociones y con tan solo cuatro adelantos, de las 12 canciones que tendrá Imperfecto Extraño mantienen esa expectativa. “En Tu Día”, “Tercer Tipo”, “Celeste” y “Nudo” son las canciones que conocemos previo al lanzamiento y a sus dos presentaciones en el Teatro Metropolitan de la Ciudad de México el 4 y 5 de mayo.

Previo al arranque del nuevo ciclo platicamos con Luis Humberto, Rafa, Julián, Ángel y Javier sobre el proceso detrás de Imperfecto Extraño, sus etapas, la emociones al compartir las nuevas canciones y las decisiones que tomaron e influyeron en el sonido del sexto álbum.

 

Ahora que tomaron más de tiempo para crear Imperfecto Extraño (dos años y poco más de seis meses) y el proceso creativo se dividió en etapas ¿Cuáles fueron la ventajas de tomarse ese tiempo?

Luis Humberto: Lo hicimos en varias etapas, pero estábamos satisfechos de cómo quedaban el grupo de canciones de su respectiva etapa. A la hora de la mezcla ya todos forman parte del mismo álbum. Una de las primeras etapas fue cuando empezamos a componer en Tajín, estábamos trabajando y se quedaron unas cuatro canciones afuera.

No terminábamos el disco hasta que supimos cuales eran las canciones que tenían que estar. Hay más canciones que se quedaron fuera, pero no fue necesario que entraran al tracklist. El disco es corto, conciso, pero macizo. (risas)

 

Julián: Cuando regresamos de Sonic Ranch ya habíamos grabado un disco completo y decidimos sacar más canciones, regresar a León a un estudio que se llama Testa y grabamos casi siete tracks más.

Fue un proceso largo y siempre teniendo en mente que se tenían que quedar las mejores canciones en el disco.

 

 

 

Para este nuevo álbum ¿Qué locuras se les ocurrió en el estudio?

Rafa: Pasó algo que fue atípico y que hicimos antes de ir Sonic Ranch. Improvisamos un estudio en una hacienda abandonada en un pueblito que se llama Estipac en Jalisco, no es muy conocido. De hecho parece pueblo fantasma.

Llevamos todo el equipo e improvisamos un estudio para componer y fue un ambiente muy padre para hacer maquetas, grabar, ensayar, hacer maquetas. Nos sirvió mucho… Es un lugar bastante tranquilo, es la típica hacienda con techos muy altos y te remonta como al pasado de México.

Cuando llegamos a Sonic Ranch estábamos más preparados gracias a ese proceso.

 

Javier: De hecho, todos los visuales de los teasers que hemos lanzado fueron grabados en la hacienda.

 

 

Mientras estaban en la hacienda, ¿Ya imaginaban cómo sonarían las canciones en vivo?

Luis Humberto: Cuando estoy componiendo tengo toda mi concentración en las canciones, pero ya cuando van saliendo y las vamos trackeando hay una ilusión de interpretarlas en cualquier escenario posible. Existen esas ansias de empezar a tocar las canciones nuevas.

 

Rafa: Es muy productivo alejarte de la ciudad, alejarte de tu entorno cotidiano porque se podría grabar un disco en tu entorno cotidiano, en la ciudad, pero tienes tu mente en otras cosas porque hay una rutina y otras cosas que hacer.

El alejarte de todo y enfocarte 100% en las canciones es bastante productivo, bastante sano y después de experimentar este formato podríamos hacer lo mismo.

 

En un tuit daban un dato curioso de la grabación de Imperfecto Extraño en el que comentaban que Julián no tocó ninguna guitarra y solo se encargo de teclados y sintetizadores. En cuestión musical, ¿Hay algo que englobe todo lo que escucharemos en este ciclo?

Julián: En cuestión de teclados me dio por buscar en Mercado Libre un órgano que quería y me lo compré y después me volví adicto a comprar teclados viejos. Mientras estábamos componiendo las canciones llegaba un teclado nuevo.

 

Luis Humberto: Nuevo- Viejo.

 

Julián: Bueno, nuevo para mí, pero más viejo que Luis Humberto. (Risas) Se suponía que iba a tocar guitarra en algunas canciones, pero como eran las novedades quería usarlos para cada rola. Y al final acabé sin grabar ninguna guitarra. Le da a la música otro giro, otro sonido. Ahora Luis Humberto toca mucho la guitarra y hace mucho que no lo hacía.

 

 

¿Cómo están viviendo el proceso de llevar Imperfecto Extraño para montarlo en vivo?

 Luis Huberto: Tenemos unas presentaciones grandes previas al Metropolitan y eso nos están ayudando porque además de los ensayos que tenemos en el estudio, tenemos los ensayos en vivo. Estábamos en Puebla y comenzó a agarrar forma el repertorio del Metropolitan. Tenemos esa oportunidad de hacer el ensayo en pleno concierto con canciones nuevas.

 

Julián: A mí me sorprendió mucho que “En Tu Día” solo la tocamos una vez en Monterrey en un festival de radio, era muy nueva y la gente no la conocía, ni a nosotros (risas).

Ahora en Puebla “En Tu Día” prendió mucho. No esperaba nada, solo comencé a tocar la rola y la gente comenzó a cantar y a gritar como si fuera “Visita” u otra canción muy conocida de Enjambre. Es una buena señal. También “Tercer Tipo” en Zacatecas prendió chido.

 

Por último, después de tantos años y ahora seis discos ¿Cómo logran medir el resultado positivo de cada material que han creado?

Luis Humberto: Para mí es escucharlo con amigos, con mi papá o con mis hermanos y hablar sobre las canciones. Escucharlo con gente de confianza y que su opinión es importante, no solo en la música sino en todas las cosas.

 

Julián: Para mí el público es un medidor. Cada que sacamos un disco bien podría ser un disco de relleno como algo que las bandas hacen y que en los conciertos la gente solo va a escuchar las canciones con las que se dieron a conocer. Se me hace padre que veo Spotify y en las canciones principales hay dos de cada disco. Y a veces no son los sencillos. Eso significa que de cierta forma seguimos vigentes y esperamos que este también sea una a esa lista.

 

 

Actualización: Este viernes 5 de mayo estrenaron el último adelanto que darán antes de que llegue Imperfecto Extraño con el tema “Detéstame”. Minutos antes de su lanzamiento, la tocaron por primera vez en vivo en el Teatro Metropolitan y fue la canción encargada de cerrar el concierto (oficialmente esa era la última canción, pero el público no se iba y tocaron una canción más: “Ausencia de Cocina”).

 

 

Te compartimos el tracklist de Imperfecto Extraño y la portada (disponible gracias a la preventa del disco en iTunes). Atento por si en algún momento del concierto del Teatro Metropolitan tocan alguna de estas nuevas canciones por primera vez. Además escucha la entrevista en Hispanoparlante:

  1. Obertura
  2. Celeste
  3. En Tu Día
  4. Tercer Tipo
  5. Luces de Periferia
  6. Detéstame
  7. Nudo
  8. El Futuro
  9. Y La Esperanza
  10. Amanéceme
  11. Vida en el Espejo
  12. Desenlace

Escucha”HISPANOPARLANTE 34 – Entrevista con: Enjambre y Pastilla” en Spreaker.

25 años de Babasónicos y la inagotable chispa por hacer música y reinventarse

Antes de la novena participación de Babasónicos en el Vive Latino y convertirse en una de las bandas que más ha tocado en el festival, platicamos con Diego “Uma” Rodríguez (guitarra y voz) sobre los 25 años de una de las bandas más importantes para Argentina y algunos recuerdos del Festival Iberoamericano.

¿Qué hacías hace 25 años? Las respuestas pueden ser tantas y tu mente está tratando de hacer un esfuerzo por recordar (otras mentes, probablemente, todavía no estaban presentes en este planeta). Ese esfuerzo es el que hace cada integrante de Babasónicos cada que alguien pregunta sobre los 25 años que llevan juntos creando música y dándole identidad al rock iberoamericano. Desde que Adrián Dárgelos y Diego “Uma-T” Tuñón querían crear sonidos que se distinguieran de lo que se estaba haciendo en Argentina en los 80, sumaron a Babasónicos a Diego “Uma” Rodríguez, Diego “Panza” Castellano, Mariano Domínguez y Gabo Mannelli. Y sí, juntos lograron hacer realidad una nueva dimensión sonora que siempre imaginaron. En pleno 2017 siguen demostrando la inagotable (al parecer) chispa por hacer música y reinventarse.

La emoción por los 25 años de Babasónicos se escucha en la voz de Diego Uma al compartir con Signos, todo lo que han planeado para festejar: “Tenemos muchas cosas que presentar desde casi todos los vinilos de nuestros discos, la exposición fotográfica Movimiento Babasónico, un libro de conversaciones que lo habíamos hechos hace 10 años, pero ahora le agregamos las conversaciones del tiempo que pasó hasta ahora. Además lanzaremos un DVD que grabamos en el Teatro Colón, uno de los más importantes en la Argentina y en el mundo para la música clásica, ópera, ballet. Mostrará lo que hicimos con Impuesto de Fe en México”.

Este material especial que grabó Babasónicos en el Teatro Colón, después de una polémica sobre si el lugar tenía que ser ocupado por una banda de rock, que conoceremos en abril bajo el nombre Repuesto de Fe. El tiempo de Babasónicos queda atrapado en los 11 discos que han lanzado a lo largo de su historia y el año pasado sorprendieron con la reinvención de su música en Impuesto de Fe CD y DVD que nos deja conocer otro lado de la banda. Los seleccionados fueron 14 temas que reflejan varios momentos de su historia, pero ¿Cómo lograron seleccionar solo 14 temas de solo 25 años de historia? “Algunos fueron descartados porque la versión no nos gustaba o no era muy representativa de la época por la que estamos pasando y nos costó mucho llegar a los primeros 14”, confesó Diego.

“Tardamos ocho meses ensayando casi seis o cinco horas por día, para lograr que la misma banda, pero con otros instrumentos, forme una banda nueva que es Babasónicos, pero de otra manera. Cuesta muchísimo hacer eso y que las canciones que conoces como “Putita”, la escuches de otra manera, en otra versión, y sientas que es “Putita”. No es tan fácil. Después hicimos como unas cuarenta versiones, de cuarenta canciones, las cuales 14 quedaron adentro de Impuesto de Fe y otras que quedaron afuera, pero pudieron escuchar en el Metropolitan y en los otros países donde estuvimos tocando como Chile, Uruguay, Colombia, Perú y toda la Argentina

Hay varios temas que quedaron afuera, pero que ahora lo podrán ver en el DVD que lanzaremos del Teatro Colón… Buscamos que dentro de esos 14 temas esté un recorrido de la banda desde que empezó y que no se concentre solo en un los últimos cinco disco o seis”. Así Diego resume parte del proceso de creación de Impuesto de Fe.

 

 

 

Babasónicos es una de las bandas con más presentaciones en el Festival Vive Latino  y en este 2017 cumplirán con su novena participación, la cual será sumamente especial para la banda: “Lo lindo de estar festejando los 25 años de Babasónicos y la mayoría de edad del Vive Latino, es que logramos hacer un show del Impuesto de Fe. Llevamos todos los instrumentos más raros que tenemos y vamos a hacer el show más intensamente tranquilo del festival, nos guardamos un montón de ruido. Música para escuchar de otra manera a Babasónicos. El público del Vive está acostumbrado a estos contrastes altos entre unas bandas y otras. Es una apuesta por un show especial”.

Dentro de estas nueve presentaciones, Diego “Uma” tiene un recuerdo sumamente especial de una de sus presentaciones en el Vive Latino:

“Una vez que estábamos tocando creo que ‘Fiesta Popular’, no recuerdo bien qué canción, pero en el momento de mayor pico y era el último tema, fue una explosión total en el que el público comenzó a aplastar los vasos de cerveza. Era la primera vez que lo veía. Tal vez fue en el 2011. Y empezaron a tirar los vasos de cerveza. Y nosotros no entendíamos.

Había músicos de Kapanga filmándonos. No podíamos creer lo que pasaba porque no entendíamos. Se veían como lentejuelas, brillos en el público, pero en 3D, en distintas distancias. Adrián que estaba cantando me mira a mí, yo miro a Mariano, Mariano mira a Carca. Era un efecto visual que no sabíamos de que se trataba. Tardamos unos minutos en darnos cuenta que el público nos estaba haciendo su mayor fiesta y nos la dedicaba a nosotros. Fue algo increíble, que no creo que se me olvide de acá al resto de mi vida”.

Babasónicos es un acto clásico del Festival Vive Latino y para esta edición del 2017 regresan para presentarse en el escenario Indio Pilsner Plata, el sábado 18 de marzo a las 10:35 de la noche. “Hemos visto el crecimiento del festival mediante los años. Se volvió el festival casi número uno de rock en español y estamos muy contentos de ser parte de ese crecimiento y ser un clásico dentro del Vive. Tenemos infinidad de recuerdos porque la hemos pasado muy bien. Tocando con muchos amigos y encontrando gente no solo que esta arriba del escenario… En México se sabe que los Babas en el D.F. son locales”.