SONIDOS DE IBEROAMÉRICA

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Descubre la peculiar visión de Systema Solar sobre el caribe colombiano

en Al día/Videos por

Systema Solar estrena “Mi Caribe”, un sencillo más del disco Rumbo a Tierra y lanzan su video.

El ciclo de vida del disco Rumbo a Tierra, sigue con vida y Systema Solar estrena su nuevo sencillo: “Mi Caribe”. Celebrando 10 años creando música, con el ideal de ser un colectivo, ahora más que nunca nos dan una idea de lo que significa ser del caribe colombiano.

Con este nuevo sencillo celebran la inconfundible actitud propia de los habitantes de esa región, la cual los lleva a afrontar la vida con sus altos y bajos, sin perder esa sonrisa que los anima a continuar.

“La canción habla de lo alegre que somos los costeños, porque buscamos la felicidad a toda costa, a pesar de las adversidades”, aseguró Jhonpri  vocalista de la agrupación y autor de la letra de “Mi Caribe”, que nació de una creación colectiva en el estudio de Kasa Biyuka, en Taganga.

Con el video, Systema Solar nos lleva por la extraña dimensión dentro de los programas de televisión desde un vendedor de televentas, que se convierte en conductor de un noticiero y reportero del clima, viajamos hasta el imaginario caribeño que querían mostrar.

Además de esta peculiar visión sobre el caribe, no desaprovechan la oportunidad para lanzar la reflexión sobre las diversas problemáticas que existen. Si prestas atención a los titulares de las noticias, se leen frases como “Crece el arroyo”, “Pobreza extrema en Cartagena” o “Crisis por sequía en Guajira”.

Protagonizado por Andrés Gutiérrez ‘Andrew’ (percusionista de la banda), se pasa del imaginario del Caribe pop, que se percibe como ideal, gracias a la influencia de la publicidad, al Caribe real.

Todo este trabajo lo hicieron de la mano de Los Bones, un crew que se ha consolidado como un verdadero monstruo audiovisual con piezas realizadas para publicidad y para artistas como Crack Family y Elkin Robinson, entre otros.

Como podrás imaginar, fue filmado en Green Screen para no tener limitaciones en la creación de este concepto satírico tropical, que tiene un tono cómico para hacer un llamado de atención diferente sobre la realidad del Caribe colombiano.

Aún no termina este 2017 y Systema Solar no deja de sorprendernos. Mantente al tanto de lo que hace a través de sus redes.

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El llamado de Adan Jodorowsky para “Vivir con Valor”

en Al día/Conciertos/Videos por

Adan Jodorowsky estrena un sencillo más de su próximo disco Esencia Solar, acompañado por la voz de Natalia Lafourcade.

Dejando atrás todo personaje y otras etapas musicales, desde mediados del 2017, Adan Jodorowsky comenzó a revelar las primeras pistas para conocer su próximo disco Esencia Solar.

Entre esas pistas está “Mi Fe” y “Vagabundos de Otro Mundo”, con esas dos canciones Adán refleja la nueva perspectiva sobre el aquí y el ahora. En la primera canción que conocimos tenía una especial colaboración con León Larregui. Y ahora llega una nueva voz que se suma a su música: Natalia Lafourcade.

Rescatando un sonido más acústico con jaranas, contrabajo y una percusión que lleva el ritmo de todo, la voz de Adán y Natalia se convierten en guías para reencontrarnos con un motivo para enfrentar la vida.

Además, este estreno llega con un video en el que Adán llama a Natalia desde una especie de espejo mágico, para “sanar este mundo cruel”. En medio de un ambiente totalmente natural, llega Natalia y más personas que se unen a un ritual de armonía y danza.

Desde hace unas semanas, Adan Jodorowsky compartía en redes una convocatoria para ser parte del video y nos adelantaba detalles sobre esta nueva colaboración.

En lo que esperamos Esencia Solar, su nuevo disco, el próximo 8 de diciembre Adán Jodorowsky se presentará este 8 de diciembre en la Carpa Astros en la Ciudad de México para compartir con su escuchas esta nueva faceta artística y personal.

El Disco Popular perfecto para la democratización de la pista de baile

en Al día por

Después de cuatro años, al fin tenemos un nuevo disco del Instituto Mexicano del Sonido, un recorrido por las sonoridades del continente.

Por más de 11 años, Camilo Lara y su Instituto Mexicano del Sonido refleja la transformación que existe detrás del imaginario sonoro con el que creció. Los sonidos que creció escuchando, mutaron y forman parte Mejico Maxico, Piñata o Político.

Ahora llega el momento de descubrir su quinto disco, uno de los trabajos más ambiciosos y con el que logró viajar entre fronteras desde el norte hasta el sur del continente y explorar un nuevo viaje sonoro que quedó capturado en Disco Popular.

Pasaron cuatro años para conocer música inédita del IMS. Durante ese tiempo conocimos la faceta musical de Camilo Lara con Compass acompañado por el músico y productor Toy Selectah y con Mexrrissey. Por si fuera poco, también fue parte del equipo musical de Coco, la nueva película de Pixar, inspirada en el Día de Muertos en México.

A la par de esos proyectos,  estaba interesado en crear un viaje por las pistas de baile del continente para descubrir los sonidos que crean una comunidad y democratización de ese espacio.

Todos, sin importar sexo, color o religión son capaces de vivir al máximo la experiencia de bailar.

Ese fue el motivo principal para crear Disco Popular, como confesó Camilo Lara durante la conferencia para presentarlo.

“Me siento mucho más maduro con respecto a mi primer disco… Todas las canciones de este disco las escribí en un ukelele, viaje con él y aprendí a trabajar con otros músicos” compartió Lara sobre el primer paso creativo para crear este quinto disco.

 

 

Las 13 canciones fueron mezcladas por Mario Caldato Jr (Beastie Boys) y grabado en Kingston, Jamaica, Ciudad de México, Tucson Arizona y Los Ángeles, CA. Además tiene a grandes colaboradores como Sly and Robbie, Toots and the Maytals, Adán Jodorowsky, La Yegros y Caléxico.

Y sí, Lorna, quien cantaba el clásico “Papi Chulo” en el 2002, colabora en la canción “Pa la Calle”.

Además de pensar a Disco Popular como la pista sonora para un lugar democrático como lo es la pista de baile, refleja parte de los tiempos complejos que vivimos.

“Hay una canción que se llama “Not a Rebel (Margaret Thatcher)”. La escribí pensando en la llegada de Trump al poder, la corrupción que vivimos… Es una oda a Margaret Thatcher para decirle que gracias a un personaje como ella estamos como estamos. El molde político que conocemos ahora es gracias a ella… En un momento la canción dice: ‘no eres nada un rebelde y gracias a ti nació el punk y otras expresiones’ ”, comentó Camilo Lara sobre esa otra cara del álbum.

Si lo primero que te topaste de Disco Popular es con la portada, debes saber que el responsable de tan peculiar arte es el Señor Melquiades García, de los últimos creadores de la identidad gráfica de la mayoría de las paleterías en México. Camilo Lara recurrió a Óscar Reyes para desarrollar el concepto y a Yvonne Venegas para la fotografías del disco.

Próximamente llegará la versión vinilo del nuevo disco del Instituto Mexicano del Sonido, pero antes tienes que escucharlo, bailarlo, explorarlo y disfrutar de las sonoridades que te harán transportarte al mismo viaje que hizo Camilo Lara por América y sus sonidos.

Basta de “Sufrir” y escucha el nuevo sencillo de Zeta

en Al día/Sonidos Próximos por

“Sufrir” es el primer adelanto que conocemos del futuro disco de los venezolanos de Zeta y tienes que descubrirlo.

Solo 2 minutos y 20 segundos son suficientes para imaginar el poder con el que Zeta nos sorprenderá en su futuro disco Magia Infinita. El pasado 3 de noviembre revelaron “Sufrir”, la primera pista que revelan de un disco que se suma a una historia de 13 años.

Influenciados por sonidos que van desde la fusión del post-rock y hardcore, Juan Ricardo Yilo y Daniel Hernández​, en las guitarras, junto a Jerry Cevallos, en la batería, Dorian​ ​Mila​ en la percusión y Gabriel​ ​Duque​ en el bajo, decidieron crear Zeta al sorprenderse de la comunidad y los agentes de cambio a nivel cultural que se generaba a partir de la música en su entorno más cercano, en su natal Venezuela.

La música los ha hecho viajar desde el norte hasta el sur del continente americano y a para todos esos lugares va dedicado “Sufrir”, como compartieron a través de Facebook: “… dedicado a todos los sitios que hemos visitado hasta ahora, en especial a los pueblos latinoamericanos que nos hacen vibrar y sentir la verdadera vida”.

La velocidad de la batería, bajo y guitarra de este nuevo sencillo nos lleva al limite de las emociones que terminan por encerrarse en la breve, pero contundente letra:

“Todo lo que siento 
no le encuentro lugar 
dentro de mi mismo 
quisiera despertar”

Esa sonoridad y energía es sin duda lo que podemos esperar en Magia Infinita, la cual nace de “la transformación de la nostalgia, el amor libre y la expresión de sentimientos a través de los estados físicos y emocionales. Una progresión de momentos llevados a la música”, como comparten en su nota de prensa.

Los involucrados para capturar la esencia de “Sufrir” fueron Emilio Anaya, Rúben Rodriguez y Luis Gutiérrez, ​ingenieros residentes de Estudios Noviembre de la Ciudad de México. La post-producción, mezcla y mastering fue hecha por Marcel Fernández en Los Ángeles, CA.

Mientras esperamos a Magia Infinita, el cual concentra toda la atención de Zeta para terminarlo en los próximo meses, acá puedes comprar su sencillo directamente desde su bandcamp.

Hay una nueva oportunidad para ver el documental con la historia de Cadena Perpetua

en Al día/Conciertos por

No Mires al Cielo es el documental que nos cuenta la historia de 25 años de Cadena Perpetua, una de las bandas más importantes para el punk rock latinoamericano.

Antes de subir al escenario, uno de los deseos que llega a la mente es poder viajar en el tiempo y reencontrarte con el adolescente que eras a los 16 o 17 años y decirle: ¡Gracias!

Ese es el recuerdo que comparte Vala, voz y guitarrista de Cadena Perpetua, en los primeros instantes del trailer No Mires al Cielo, la película documental que nos cuenta sobre los 25 años de historia de la agrupación y los preparativos detrás para uno de sus conciertos más importantes en el estadio Luna Park.

Con entrevistas y recuerdos de Edu (bajista) y Chino (baterista) y los momentos que se vivieron 5 mil personas, el pasado 15 de noviembre del 2015 en el concierto del estadio Luna Park, Martín Metlikovec realizó esta película documental de una de las bandas más importantes para el punk rock latinoamericano.

Al explorar las diferencias de las personas detrás de la banda y el vínculo que los une a pesar de todo, Metlikovec refleja la historia de Cadena Perpetua.

Seremos testigos de tres años de rodaje documentando todo el camino y atravesando toda la historia de la banda desde sus comienzos hasta esa ya mítica noche en la que celebraban 25 años de música e historias.

La película será proyectada en el ND Teatro el próximo 15 de noviembre cuando se cumplen dos años exactos de aquella emotiva noche en el Estadio Luna Park. Ésta será la única función en Capital Federal.

A la espera de un nuevo disco, con la proyección de No Mires al Cielo, podremos escuchar un tema inédito. Ese tema podría repetirse el próximo 10 de diciembre en su concierto el Templo del Rock, el mítico Estadio de Obras de Buenos Aires.

Victims of Love Propaganda llegará al escenario del Teatro de la Ciudad

en Al día/Conciertos por

Se acerca una de las noches más especiales para Descartes a Kant con la presentación de Victims of Love Propaganda.

Desde los primeros días de febrero, fuimos testigos del inicio de una nueva etapa para Descartes a Kant: Victims of Love Propaganda. “Motion Picture Dream Boy” fue la primera pista que revelaron para descubrir las 10 canciones que le dan vida a su tercer disco.

Victims of Love Propaganda lo grabaron en Chicago en los estudios Electrical Audio. con el legendario productor Steve Albini (Nirvana y Pixies) y es el primero que editan en Estados Unidos bajo el sello Cleopatra Records de Los Ángeles, CA.

“Porno emocional” es la definición que la banda le da a este álbum y faceta involucró cambios para Descartes de Kant desde la manera de crear música y registrarla:

“Grabar en cinta planteó un sonido y una experiencia completamente diferentes a la de nuestros anteriores discos, llena de retos tanto artísticos como técnicos, incluso psicológicos.”, comparte en la nota de prensa, Sandrushka Petrova.

Después de cinco años, el 12 de mayo revelaron Victims of Love Propaganda con el cual demostraron su poder sonoro y el complemento perfecto que hay en las historias de cada letra. Una crítica instantánea a la manera en que idealizamos el amor y la imposición de pensamientos sobre cómo entenderlo.

Al fin llegó el momento de presentarlo y convertirlo en uno de los conciertos más importantes para Descartes a Kant. La cita es el próximo 25 de noviembre en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.

 

 

Un show dividido en 3 actos con un juego de elementos escenográficos y cinematográficos que harán de ésta presentación una experiencia única e irrepetible, totalmente nueva y diferenciada del montaje habitual al antes visto en Descartes a Kant en festivales o foros convencionales.

A partir de un juego de identidades en el que la violencia neopunk se mezcla con la elegancia de los años 50, los músicos ofrecerán un concierto en el que sus trabajos más reconocidos resultan golpes de aire al relato de diseño agorafóbico de Victims of Love Propaganda.

Descartes a Kant y su habitual naturaleza en el escenario, convoca a sus seguidores a una convulsiva autopsia del amor, ilustrada en tres actos que evocan las diferentes etapas de una relación.

Reconocidos internacionalmente por un show en vivo espectacular, ésta es la oportunidad de acompañar a Descartes a Kant a entregar todo en el recinto perfecto.

Será uno de los conciertos más importantes en la historia de Descartes a Kant y que no te puedes perder. Es para todas las edades y los precios van de los 100 a los 300 pesos.

Los últimos festivales para despedir el 2017

en Al día/Conciertos por

Ya casi se nos acaba el año, pero la música y los festivales no paran. Acá hacemos un recorrido por los que nos faltan.

El año está por terminarse, y después de una decena de festivales hispanoparlantes por todo el mundo, volvemos a México, en donde decidimos hacer una breve lista de conciertos masivos que pasarán durante diciembre, para que junto con nosotros, puedas cerrar el 2017 a lo grande.

Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil

Empezamos con la Feria Internacional del Libro Infantil y Juvenil, que a pesar de su nombre, no está dedicada solamente a los libros. Del 10 al 20 de noviembre, el Parque Bicentenario se llenará de conciertos, entre los que están Meme, Desorden Público, Centavrvs, Cardiel, De Nalgas, Salón Victoria, y muchos más. Ve por los libros, pero quédate por la música.

Skatex

El primer festival que se lleva a cabo en diciembre es el Skatex, que desde un par de años se celebra en Texococo. En su edición 2017, se presentarán El Gran Silencio, Desorden Público, Gondwana, La Tremenda Korte, Tijuana No, Lost Acapulco, y muchos otros. Como el nombre del evento lo implica, el festival está dedicado al ska, pero no sólo al de México, sino al de Colombia, Chile, España, Puerto Rico y Venezuela.

Festival Catrina

 

Uno de los slogans del festival es “El festival más importante de Puebla”, y con nombres como Caifanes, Zoé, Molotov, Panteón Rococo y Siddharta no lo dudamos ni un poco. El evento se llevará a cabo el 9 de diciembre en Cholula, y estamos seguros que además de llenarse, evocara gritos y emoción que podrían competir con cualquier festival.

Bajío Music Fest

Por último, en Querétaro se llevará a cabo el Bajío Music Fest, un evento en el que Plastilina Mosh, DLD, Little Jesus y Comisario Pantera encabezarán el cartel, y en la que la Plaza de Toros Santa María, será el ruedo en el que los artistas interán domar a los asistentes.

 

El Rock nos Une

El ya clásico festival El Rock Nos Une tiene en su line-up a artistas como Los Amigos Invisibles, Nortec Collective, Kinky, Little Jesus, El Gran Silencio, Nana Pancha, La Gusana Ciega, e Inspector, y eso por sólo mencionar a un par. Lo que significa que todos los que viajen al Estacionamiento El Chango en Cuatitlán Izcalli, le harán un favor a sus oídos.

 

 

Oficialmente arranca el Vive Latino 2018

en Al día/Signos Vitales por

Este 7 de noviembre será recordado como el día en que te emocionaste por conocer el cartel que te espera en uno de los mejores fines de semana del 2018.

Cuando terminó el Vive Latino 2017 comenzó la edición 2018 y lo que todo ello conlleva: descubrir los discos iberoamericanos que se convierten en tus favoritos, imaginar que están en el cartel y confirmarlo cuando revelan a todas las bandas.

Hoy llegó esa fase de la espera: conocer el cartel. Desde las primeras horas del día, usuarios del Sistema de Transporte Colectivo Metro, de la Ciudad de México reportaban que en las pantallas aparecía el cartel de la edición #19 del Vive Latino. Esa imagen comenzó a circular en redes en el transcurso de la mañana y a las 12 del día se hizo oficial en las cuentas del festival.

Los nombres que roban la atención a primera vista (porque están en letras más grandes) son Gorillaz, Morrissey, Noel Gallagher’s High Flying Birds, Queens of the Stone Age, Panteón Rococó, Molotov, Enjambre, Fito Páez, Residente, Los Tres o Rock en tu Idioma Sinfónico Vol. II.

Pero como siempre, el cartel del festival va más allá de los headliners y sorprende con propuestas y el regreso de sonidos iberoamericanos a México. 424 (Costa Rica), Chicano Batman, Francisco El Hombre (Brasil), Gondwana (Chile), Klub (el tributo a Los Auténticos Decadentes, desde Argentina), Los Cafres (Argentina), Love of Lesbian, Mala Rodríguez y Sexy Zebras desde España y hasta el reencuentro de Los Jaivas en el escenario del Vive Latino.

 

 

 

De las bandas nacionales hay invitados que son parte de la historia del festival y talento que se convertirá en su futuros, desde Haragán y Cia., La Gusana Ciega, La Lupita, San Pascualito Rey, Titán, Los Blenders, Vaya Futuro o Sabino.

Tras conocer el cartel el ciclo sigue:

  • Comprar el abono (el abono general ya está en Fase 3 por 1700 pesos)
  • Darle una escucha a todas las bandas del cartel
  • Armar tu itinerario cuando salgan los horarios
  • No olvidar los boletos al salir de casa el próximo 17 y 18 de marzo cuando tomes rumbo hacia el Foro Sol y celebrar a la música iberoamericana por dos días en el festival

Vivir los signos musicales iberoamericanos durante los 364 días restantes hasta reencontrarte con el Vive Latino.

Acá te compartimos el cartel y un playlist con las canciones que sonarán por primera vez en el Vive Latino, parte de los discos que se convierten en los favoritos de este 2017 y serán parte del Vive Latino 2018. (A lo largo de los días haremos un recorrido por ellos aprovechando los #ViernesDeEstrenos que quedan).

La Habitación Roja: “Hemos dado una vuelta de tuerca al sonido del grupo… va a ser uno de nuestros mejores trabajos, sin duda”

en Al día/Entrevistas por

Después de 17 días en el estudio, La Habitación Roja ya tiene grabado su onceavo disco y nos compartieron algunos recuerdos sobre esta nueva etapa.

Ni siquiera sospechábamos de la oportunidad de ver en vivo a La Habitación Roja en México, cuando aquel 31 de agosto compartían el mensaje: “El sábado nos vamos a El Puerto de Santa María a grabar en Paco Loco Studio nuestro decimoprimer LP”. Solo pasaron 16 meses desde que lanzaron Sagrado Corazón para tener noticias de futuras nuevas canciones.

Contar el tiempo ayuda a dimensionar el recorrido de La Habitación Roja que por 23 años se han dedicado a crear historias que cobraron gran importancia en su carrera y en sus escuchas, quienes las han adoptado como himnos de vida.

Las fotografías de Pau Roca son nuestra entrada para descubrir las emociones que se viven en el estudio. Entre concentración, risas, desesperación y momentos de espera, se descifra en lo que comparten a través de Facebook e Instagram, el único vinculo que tenemos para conocer de su próximo disco… hasta ahora.

Ahora que están por corta temporada en México, no desaprovechamos la oportunidad de platicar con Jorge Martí, Pau Roca y José Marco para conocer el inicio de este nuevo ciclo, con quién están trabajando, sobre si existe un concepto que definirá a onceavo disco y de la relación que han creado con el público mexicano.

En el registro de los días en el estudio se quedaron en el día 14 y después anunciaron su gira por México. Sabemos que ya está grabado, pero ¿Qué tan difícil es parar en medio del proceso de un nuevo disco? O tal vez sirve para regresar y darle una mano extra.

Pau: Las dos cosas. Yo creo que si no te obsesionas, ves algún defecto. Es positivo porque después de tres semanas tan metido en el asunto, las decisiones no son las mejores.

Jorge: Además somos un grupo que intenta adaptarse a las circunstancias por ejemplo, las cosas van viniendo dadas y te adaptas. Por ejemplo ahora vamos a hacer la mezcla con John Agnello.

En un principio, llevamos muchos meses hablando con Chris Walla, el ex guitarrista de Death Cab for Cutie. Él iba a hacer la producción del disco y ya teníamos todo listo, hablado y cerrado el deal y en última instancia le surgió un problema personal.

Hicimos un plan B y en este caso íbamos a grabar en el estudio de Paco Loco, que lo teníamos rentado para ello.

Al final pensamos: ‘Bueno, Paco ha producido a 800 bandas en España, ha hecho discos increíbles, todo el mundo habla súper bien de él, nos cae genial y nunca hemos hecho nada con él’.

En vez de negociar con otro productor hablamos con él y nos sugirió también que si había presupuesto podía hablar con mu amigo John Agnello.

Ahora el problema eran las fechas en México. La gira es algo que queríamos hacer. Y en último instante nos escribió John Agnello y decía que tenía 10 días con Dinosaur Jr. y lo han retrasado para más adelante. ‘Entonces puedo hacerlo con vosotros’.

Acortamos esta gira y concentramos las fechas de cuatro semanas, en tres. Y ahora vamos a poder hacerlo todo.

Tenemos ganas de volver por el hecho de que da ilusión hacer la mezcla con John. Después ya tendremos la navidad para descansar y unos meses para replantearnos cómo serán los siguientes pasos porque el disco creo que es bastante rico en arreglos, matices.

Hemos dado una vuelta de tuerca al sonido del grupo. Creo que va a ser uno de nuestros mejores trabajos, sin duda. Y va costar llevarlo al directo”.

A pesar de todo, es bueno saber que existan situaciones tan positivas y que se sumen esos personajes.

Después de hacer una compilación de 20 años, una canción muy exitosa como “Taxi a Venus” y superarla con Sagrado Corazón y todo lo hecho, ¿Cómo es entrar al estudio y abordar esta nueva experiencia?

Jorge: Todos teníamos claro que era el final de un ciclo, que teníamos que ir más allá de alguna manera y es cuando sugerimos lo de Chris Walla. Fue bastante mágico la manera como contactamos.

 Me decía: ‘Mándame demos’ y no teníamos muchos. De repente tuve un periodo de hacer todos los días una canción. Así durante varias semanas. Pasó Navidad y en enero de repente teníamos como 15 canciones nuevas. Más las que teníamos ya hechas.

Después lo que pasó con Paco, con John. Eso creo que ha hecho que nos conectáramos y diéramos ese plus que creo a veces las bandas que llevan mucho tiempo tienen un status bueno, puedes tender a acomodarte y estar en tu zona de confort.

Ha removido un poco los cimientos del grupo y de repente nos hemos visto en el estudio haciendo cosas que no pensábamos que íbamos a hacer. De repente, una de las premisas era que lo que hiciéramos tuviera personalidad.

Las Hinds han estado grabando en el estudio de Paco con Gordon Raphael, que era el productor del primer disco de The Strokes. Y Paco nos decía, que él le contaba: ‘Los Strokes cuando grabaron ese primer disco, que fue una revolución para el mundo del rock, Julian Casablancas me dijo: —Haz lo que te dé la gana, pero que no suene como nada de lo que se hace ahora—’.

No creo que hayamos sido tan radicales, pero si que hemos intentado un poco que los sonidos que hemos utilizado tengan mucha personalidad. Y Paco ha estado todo el tiempo retándonos diciendo “Oye, ¿Esto es lo que harías normalmente? Vamos a hacer otra cosa”.

Ahora normalmente se graba el bajo y la batería, pero en esta ocasión nos dijo “vamos a grabar todo lo demás y al final la batería”.

José: Los ensayos no han servido para nada. (Risas)

Jorge: De repente tenemos una canción y decimos “No ha quedado mal” y Paco responde “Pues ojo que todavía no hemos grabado el bajo. Todavía puede sonar mejor”. Me ha encantado la capacidad de trabajo de Paco y el talento que tiene.

Y después pensando en todos los disco que ha hecho John, desde discos clásicos increíbles y que ahora hizo discos como el Wakin On A Pretty Daze de Kurt Vile, que nos encanta. Twin Peaks, Alvvays.

No sé, creo que va a ser una combinación… no sé si ganadora, pero que nos va a dar un plus”.

Después de 10 discos, ¿Cómo viven el tiempo en el estudio?

Jorge: Lo hemos pasado muy bien. Creo que eso se va a notar también.

Normalmente, pasa que grabas un disco y es pesado o el ambiente al final provoca que todos se quieran ir a casa.

La intención de Paco era que el grupo estuviera todo el tiempo. Fueron 17 días en el estudio, más el día que llegamos.

Normalmente los últimos tres discos habíamos grabado de otra manera: Venía José y Marc a grabar los bajos y batería y se iban.

Y al final lo que aquí ha pasado es que él quería que todo el mundo estuviera presente y conectado. Listos para desenfundar en el momento que hiciera falta. Además grabamos una canción y cuando terminábamos íbamos a otra.

Cuando te das cuenta ya esta hecho el disco. Ha sido un método nuevo, por lo menos a comparación con los últimos tres discos”.

Con los años es fácil saber que una canción está lista para un disco o es esa que se quedará para un lado B,

¿Cómo es ese proceso o filtro para seleccionar a las canciones? ¿Cómo elegir al 11 ideal?

José: Yo personalmente lo tengo claro, pero sé que no será ese 11. (Risas una vez más)

Jorge: No le creo a José. De hecho hay una canción que él no hubiera puesto y ahora la escuchamos y es de las que más mola.

Hemos grabado 15 canciones, más dos piezas instrumentales para un documental.

Al final hay 15 canciones grabadas. Creo que hay 13 que son las que pueden estar en el disco.

Hay que decidir cuan largo hacemos el disco y creo que eso se va a dilucidar una vez que tengamos la mezcla.

Habrá que decidir rápido porque tampoco queremos que se retrase mucho el proceso… Todo esto nos llevara a tomar decisiones en los últimos momentos, pero vamos, yo creo que de esas 13 canciones será difícil sacar alguna. De momento esa es mi impresión.

Pau: De alguna forma u otra verán la luz las 15 canciones”.

Este año ganaron en la categoría de Mejor Arte en los Premios de la Música Independiente y sus discos siempre sorprenden en eso.

¿Ahora ya tienen claro que va a englobar el nuevo álbum? Desde el arte, el título. Son asuntos importantes. ¿Ya lo tienen armado?

Jorge: No, es algo en lo que ahora estamos trabajando.

Los títulos son provisionales de las canciones. Yo si que creo que conforme vas escuchando las canciones vas viéndolas en perspectiva y te das cuenta de las claves.

Hay una canción muy chula, que tiene algunas frases que me parecen guay para título. En algún momento de la canción dice: “Ya nadie dice la verdad”. Y me parece que puede ser un concepto potente.

No sé cómo lo desarrollara Jordi Santos que es quien nos hará el arte del disco, pero si que creo que estamos en un momento general en el mundo en el que la gente tiene gran confusión. En el que solo se premia las cosas que desprenden una imagen ganadora. Con las redes sociales siempre intentan proyectar esa imagen de triunfo, pero es todo como muy efímero y un poco fake.

Hay mucho Photoshop en general, en la vida, en el mundo.

Todo el disco está tocado de manera analógica. Estaría bien utilizar este concepto de hacer algo muy de verdad, muy orgánico.

Hay otra canción en el disco muy emocionante que recuerda a algunos momentos de Wilco en Yankee Hotel Foxtrot. Tiene este punto medio experimental, pero a la vez muy sentido y es una canción que habla sobre el Alzheimer, una experiencia personal.

Estuve trabajando en Noruega en una residencia para pacientes con Alzheimer y hacia mis turnos… Entonces me encontraba con pacientes que habían perdido totalmente la percepción del espacio, del tiempo, de quiénes eran.

Es una cosa que realmente me golpeó fuerte e hice una canción. Me salió espontáneamente sobre este tema y la canción se llama “Quién eres tú”. Y también era un concepto que estuvimos hablando, que nos gustaba.

Quizá sacar retratos de gente con una personalidad y está frase de “Quién Eres Tú”… Ser fiel a lo que somos en verdad y no a lo que hay en nuestro Instagram.

Por ahí podría ir un poco el tema del disco”.

Sobre la película de vida de La Habitación Roja con México, han pasado cualquier cantidad de cosas, ¿Hay una palabra que pueda resumir esos encuentros esporádicos? ¿Cuál es el momento especial que recuerdan con México?

José: La palabra es amor.

El Vive Latino lo recuerdo. Estaba tocando un grupo, no recuerdo cuál era, pero acabó y se fueron todos. Pensé ‘aquí no hay nadie’. Al salir todo volvió a estar llenísimo y acabamos entre el público. Fue un concierto brutal.

Jorge: Impresionaba el hecho de que la gente se supiera las canciones. También eran los albores de la internet, de las redes sociales y no había ese intercambio.

Me sorprendió muchos los conciertos en los que llegábamos muy inocentes y de repente no sabíamos que esperar. Nunca hemos sido un fenómeno masivo, ni hemos tenido grandes medios, pero la gente que nos sigue es muy militante y notamos ese calor y amor.

En ningún sitio nos pasa como aquí, que vas a hacer un concierto y te piden ‘Los ciclos de la vida’ una canción de un cara B, de un EP perdido. La gente realmente conoce tu discografía. Nos tiene mucho cariño. Creo que nuestras letras llegan… Un amigo nos decía ‘Tienen rolas llegadoras’.

Recuerdo que la primera vez que grabamos fuera de España fue con Steve Albini, viajamos a Chicago y de ahí llegamos a México. Nos recogió Paco en el Aeropuerto.

Íbamos conduciendo en el coche y le pusimos la canción de “Agujeros Negros”, que acabamos de grabar, aún sin masterizar. La escuchábamos y cruzamos la Ciudad de México. Esa es una imagen que me ha quedado grabada.

Es una historia de amor, desde luego. Cada vez nos gusta más el país. Es apasionante”.

 

Los Signos Vitales de Amplifica

en Al día/Signos Vitales por

Más que un concierto, la finalidad de Amplifica era clara: ser el espacio para pensar en las acciones que tomaremos para reconstruir México.

Solo existía el 1.36% de probabilidades de tener un sismo mayor a siete grados en la misma fecha y que causara estragos en el centro de México. La fecha que no olvidaremos todos la conocemos: 19 de septiembre. Otro día que tampoco hay que olvidar es el 7 de septiembre, que a minutos de convertirse en el día 8 en el calendario, la tierra nos recordó su fuerza afectando al sur de México.

En menos de dos semanas, la naturaleza nos recordó la fragilidad de la vida y la necesidad de unidad y solidaridad entre mexicanos. En momentos de emergencia, la sociedad civil demostró que existe ese espíritu. Ahora no hay que dejarlo ir.

Una de las acciones para reforzar ese sentimiento fue Amplifica. Desde los primeros días del desastre, usuarios de Twitter le pedían ayuda a músicos para hacer un concierto a beneficio para recaudar fondos para los damnificados y sucedió.

La música una vez más nos unió para no olvidar y reflexionar sobre las acciones que tomaremos para reconstruir el México que tanto queremos; ese era el mensaje que los músicos, activistas y actores como Gael García y Diego Luna, lanzaban cada que tomaban el micrófono en el escenario.

Más que un concierto, el Palacio de los Deportes se convirtió en el foro perfecto para ir más allá de solo vivir la música. La convocatoria para donar herramientas y material de construcción fue una de las acciones inmediatas e incluso asistieron personas que no tenían boleto, pero eso no detuvo sus ganas de ayudar.

El público que entendió a Amplifica como un espacio para concientizar sobre a situación que vive el país para llevarlo más allá de las fronteras gracias a la transmisión en vivo a través de YouTube, podrán ser los verdaderos agentes de cambio.

Varias de las canciones que sonaron durante los cortos, pero contundentes sets de Café Tacvba, Molotov, Zoé, Kinky y Mon Laferte cobraban un nuevo sentido al pensarlas como respuestas o himnos ante la tragedia. Desde un consuelo al abrazar a una persona especial con “Amor Completo”.

Café Tacvba nos recordó que el futuro está en nuestras manos. Cuando Rubén Albarrán nos recordaba la importancia de considerarnos más que un país, un pueblo que tiene corazón, seguido de un himno de Los Tres como “Déjate Caer”, de cierta manera unió el mensaje con Latinoamérica y cobró más fuerza.

“Presidente” de Kinky se convirtió en el instante para cuestionar de qué lado están nuestras autoridades y pensar que el próximo año estaremos ante la oportunidad de cambiar el rumbo del país con el simple hecho de hacer un voto informado.

Mientras el escenario se preparaba para recibir al siguiente grupo, en las pantallas se amplificaban mensajes de aquellos actores que están haciendo un cambio para combatir varios de los problemas que hay en el país, desde Mexicanos Contra la Corrupción y la Impunidad, Los Supercívicos, Verificado 19S, Lago Tanganica.

Quienes se unieron a la causa fueron Enjambre y Reyno con un set acústico con tinte de serenata para todos aquellos que lo necesitaban. Desde la distancia Natalia Lafourcade, Residente, Dorian, Banda de Turistas, Babasónicos y Phoenix, nos hicieron sentir que no estamos solos.

Era el turno de Zoé y escuchar la canción que probablemente le da nombre a esta iniciativa: “Últimos Días”. Frases como “Vamos a confeccionar la telaraña de nuestra realidad” o “No los dejes destruir / No los dejes dominar” se cantaban con otro sentido. Funcionaron para alzar la voz, aunque no lo notarás en ese momento.

“Cuando Pase el Temblor” desde hace años debimos tomarlo como himno ante el desastre. Despertar cuando pase el temblor, despertar como sociedad ante la adversidad, es una de las mejores acciones a las que pude incitar una canción, como escribió Gustavo Cerati en 1985 y que 32 años después vuelve a tener sentido en México.

La comunión en el Palacio de los Deportes llegaba a su fin, pero no podía terminar sin escuchar una canción vigente desde hace 20 años: “Gimme the Power”. Molotov, sin buscarlo (probablemente), se convirtieron en cronistas de las injusticias que vive un país como México.

Escucharla en esa noche del 1º de noviembre sigue provocando un nudo en la garganta, pero que todos debemos romper. ¿La solución? Exigir que la reconstrucción de las zonas afectadas por los sismos se hagan en total transparencia, sin corrupción de por medio. ¿La solución para esa solución? Dejar de ser indiferentes, apáticos o quedarnos callados ante las anormalidades a nuestro alrededor.

Ese es el signo vital para entender lo que sucedió en esa fugaz comunión denominada como Amplifica.

La esperanza de que el mensaje que se generó en Amplifica y desde el 19 de septiembre en México, prevalezca, solo depende de nosotros.

 

 

¡GRACIAS MÉXICO! 🇲🇽 #AmplificaMéxico

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